la última década del siglo anterior—del milenio anterior-fue un momento emocionante para las películas. Impulsado por Sundance, las películas independientes estaban en aumento, con nuevas voces como Quentin Tarantino y Richard Linklater emergentes. Los estudios de Hollywood, después de haber ejercido demasiado control y producido demasiados productos genéricos en la década de 1980, comenzaron a dar a los cineastas más margen de maniobra, y directores establecidos como Martin Scorsese y Steven Spielberg continuaron haciendo grandes películas., Aquí hay 20 películas estrenadas entre 1990 y 1999 que consideramos las mejores de la década.
Goodfellas (1990)
Martin Scorsese, que hizo las mejores películas de la década en los años 1970 y 80, inició los años 90 con lo que muchos consideran el punto culminante de su carrera: una película de gángsters basada en hechos y alimentada por testosterona con actuaciones icónicas de Ray Liotta, Robert De Niro y Joe Pesci (que, sí, es como un payaso para nosotros). En muchos sentidos, Se sentía como la película para la que había nacido, combinando sus elementos favoritos de crimen, Italo-americanos, ambigüedad moral y palabrotas.,
to Sleep with Anger (1990)
descartado con tibias críticas en su primer lanzamiento, este drama independiente de Charles Burnett (cuyo Underground Killer of Sheep fue uno de los puntos culminantes del indie de los años 70) llegó a ser mejor apreciado con el tiempo. Ahora se presenta como otro ejemplo de un gran cineasta que nunca consigue su merecido en la corriente principal, con una actuación chisporroteante de Danny Glover como un visitante diabólico que molesta a un grupo de parientes lejanos.,
The Silence of the Lambs (1991)
no solo una película de terror sangrienta ganó la mejor película en los Oscar de ese año, sino que también ganó las otras cuatro categorías principales: Mejor Director, Mejor Actor, Mejor Actriz y Mejor Guion Adaptado, una hazaña lograda solo dos veces antes (por It Happened One Night and One Flew over the Cuckoo’s Nest). Resulta que Estados Unidos tiene un gusto por el canibalismo cuando está impecablemente actuado, dirigido inteligentemente (por Jonathan Demme) y espeluznante como el infierno. Sigue siendo uno de los mejores ejemplos de horror «art-house».,
Boyz N The Hood (1991)
John Singleton se convirtió en la persona más joven (un récord que todavía tiene) y el primer afroamericano en ser nominado a Mejor Director por este relato personal a nivel de calle de la vida en la América negra urbana. Fue un momento seminal para la representación negra en las películas, referenciada innumerables veces en otras películas y en la música hip-hop, y lanzó las carreras cinematográficas de Ice Cube, Cuba Gooding Jr.y Angela Bassett.,
La Bella y la Bestia (1991)
después de caer a un punto bajo en la década de 1980, la División de animación de Disney comenzó un renacimiento con la Sirenita (1989) que continuó—y tal vez incluso alcanzó su cenit, dependiendo de su punto de vista—con esta hermosa, humana, ricamente entretenida toma musical de un cuento de hadas clásico. La primera película de animación nominada a la mejor película, es una de las películas más queridas de cualquier género.,
Unforgiven (1992)
Clint Eastwood, actor desde la década de 1950 y director desde 1971, hizo buenas películas (si no grandes) en los años 70 y 80, y luego alcanzó la cima de su carrera cinematográfica con esta violenta ganadora de la mejor película contra la violencia. Con importantes actuaciones de él mismo, Gene Hackman y Morgan Freeman, también ganó Oscar para Eastwood como director y estrella (más uno para Hackman y uno para la edición) y demostró que aún quedaba vida en el género más antiguo del cine: El Western.,
Raise The Red Lantern (1992)
de China llegó este drama suntuoso y colorido sobre la joven concubina de un hombre rico en la década de 1920. la ubicación exótica, el período de tiempo y las costumbres la convierten en una película «extranjera», pero la actuación principal de Gong Li hace que sus temas sean universales. El Director Zhang Yimou se estableció como un maestro del arte íntimo y emocionalmente hermoso.
Schindler’s List (1993)
Al igual que Scorsese, Spielberg había hecho las mejores películas de la década en los años 70 y 80 antes de alcanzar su pico en los años 90., Podríamos haber puesto dos solo de 1993 en esta lista—el otro es Jurassic Park-pero fue la lista de Schindler la que le valió a Spielberg su primer Oscar como director (y la única Mejor Película ganada hasta ahora) y consolidó su estatus no solo como un populista proveedor de efervescencia entretenida, sino como un serio cineasta de capital-F. (A decir verdad, preferimos volver a ver Jurassic Park, sin embargo.,)
Pulp Fiction (1994)
pocos nos culparían por poner todas las tres primeras películas de Quentin Tarantino en esta lista, pero por mucho que nos gusten Reservoir Dogs (1992) y Jackie Brown (1997), es su segundo esfuerzo lo que lo hizo un nombre familiar, lanzó mil imitaciones e inspiró a innumerables jóvenes (generalmente tipos) a convertirse en cineastas. Sin embargo, no retengas a los imitadores: Pulp Fiction es tan estimulante y valiente ahora como lo fue en 1994.,
Before Sunrise (1995)
Richard Linklater entró en escena con populares películas consecutivas sobre slackers de Gen-X: Slacker (1990) y Dazed and Confused (1993), pero las siguió con este drama romántico maduro y minimalista sobre dos extraños (Ethan Hawke y Julie Delpy) que se reúnen en un tren y solo tienen una noche para pasar juntos.
Fargo (1996)
para su sexta película, Los Hermanos Joel y Ethan Coen volvieron a un tema favorito—delincuentes torpes—e introdujeron uno nuevo: los acentos de Minnesota singsong de su tierra natal., La gente estuvo hablando como Marge Gunderson (Frances McDormand) y Jerry Lundegaard (William H. Macy) durante meses después de su lanzamiento, pero la comedia oscura de la película, los héroes justos y los malhechores patéticos hicieron que resonara aún más.
Boogie Nights (1997)
La primera película de Paul Thomas Anderson, Hard Eight (1996), pasó desapercibida. Pero su segunda historia, esta extensa historia de harapos a riquezas sobre el negocio de la pornografía en Los Ángeles en la década de 1970, lo puso en el mapa permanentemente., Julianne Moore y Burt Reynolds fueron frecuentemente señalados por los cuerpos premiados por sus actuaciones de apoyo, pero el increíble elenco también incluyó a Mark Wahlberg, Don Cheadle, John C. Reilly, William H. Macy, Heather Graham, Philip Seymour Hoffman, Alfred Molina, todos interpretando personajes fuertes e identificables.,
The Sweet Hereafter (1997)
la adaptación del cineasta canadiense Atom Egoyan de la novela de Russell Banks sobre las secuelas de un mortal accidente de autobús escolar en una pequeña ciudad es un sombrío cuento de hadas sobre las diversas formas en que la gente responde a la tragedia y nuestra tendencia humana a evitar la responsabilidad. Es arrebatador, agonizante y complejo, y aunque Egoyan ha continuado haciendo películas de calidad, nunca ha recuperado este nivel de maestría sutil.,
Waiting for Guffman (1997)
trece años después de This Is Spinal Tap, Christopher Guest—el propio Nigel Tufnel—dirigió su propio mockumentary que hizo para community theater para Spinal Tap lo hizo para bandas de rock. Semi-improvisado por invitados y compañeros de la comedia luminarias Eugene Levy, Fred Willard, Catherine O’Hara, y Parker Posey, que se extendió por la línea entre despiadado y cariñoso como pinchos luchadores delirante y mezquindad de la pequeña ciudad. Los únicos a los que no les gusta son los bastardos.,
Titanic (1997)
El romance histórico de James Cameron obtuvo un montón de reacciones cuando se convirtió en la película más taquillera de todos los tiempos, pero ahora ambos péndulos han girado hacia el otro lado: ya no es la mejor fuente de ingresos, y la gente admite abiertamente que es una épica arrebatadora, conmovedora y entretenida que logró la rara combinación de increíble éxito financiero y mérito artístico (independientemente de cuánto espacio había en esa puerta flotante).,
Saving Private Ryan (1998)
Si te parece injusto dejar que un director tenga dos puestos en esta lista, habla con Spielberg, quien hizo dos obras maestras indiscutibles en esta década (tres, si cuentas Jurassic Park). Esta, con su famosa y brutal secuencia de apertura y apasionante relato del heroísmo de la Segunda Guerra Mundial, es la culminación de muchos de los intereses de Spielberg, y sigue siendo una de las exploraciones más visceralmente poderosas de los horrores de la guerra y los héroes que se elevan por encima de ella.,
The Thin Red Line (1998)
siguiendo los talones de salvar al Soldado Ryan, esta otra epopeya de la Segunda Guerra Mundial de 1998 podría haberse perdido en la confusión si no hubiera sido excepcional por derecho propio (por no mencionar la primera película del director Terrence Malick en 20 años). Divagante, desordenado, sangriento, triste y molesto, es la contraparte loca de la visión más seria de Spielberg de la guerra.
la matriz (1999)
¿cuánto ha cambiado desde la matriz?, Las imágenes bullet-time en las que fue pionero, que sorprendieron a todos en ese momento, se han convertido en algo común, incluso en exceso; y las directoras, entonces conocidas como los hermanos Larry y Andy Wachowski, han salido como mujeres trans y ahora son Lana y Lilly. Qué apropiado que una película sobre las complejidades de la identidad y la realidad fuera hecha por un par de hermanos con conocimiento personal de ella—y que eran genios en concebir historias de ciencia ficción embriagadoras, para arrancar.,
Fight Club (1999)
La extravagante adaptación de David Fincher de la novela transgresora de Chuck Palahniuk ha sido peligrosamente malinterpretada por jóvenes que no se dan cuenta de que Tyler Durden no es un héroe. Sin embargo, no lo sostenga en contra de la película, que ofreció una visión mordaz y satírica de la «masculinidad tóxica» antes de que esa frase fuera de uso común.
The Iron Giant (1999)
mientras Disney disfrutaba de su renacimiento de la animación y Pixar comenzaba a cambiar el mundo de la animación por ordenador, Warner Bros., estaba apagando silenciosamente este conmovedor y emocionante ‘toon sobre un chico que se hace amigo de un enorme robot en medio de la paranoia de la Guerra Fría. Además de la historia del niño y su robot, ofrece comentarios tristes sobre el belicismo y la adoración de armas, lo que podría explicar por qué le fue mal en la taquilla y tuvo que esperar unos años para ser plenamente apreciado por el clásico que es.