15 i migliori trombettisti jazz di sempre

La tromba è sinonimo del suono del jazz, ma chi sono i migliori trombettisti jazz di tutti i tempi? Qui ci sono i più grandi trombettisti jazz mai, ma abbiamo mai perso il vostro preferito? L’elenco è in ordine alfabetico.,

• le Sei migliori: jazz cammei in pop
• Sei il Migliore… il Jazz singoli di successo
• I 20 più Grandi Pianisti di tutti i tempi
• 25 più grandi sassofonisti di jazz di tutti i tempi
• 28 sempre migliori pianisti jazz

Louis Armstrong (1901-1971)

In jazz, tutte le strade conducono a Louis Armstrong. Egli è l’esempio supremo della vitalità del passato che anima e sfida il presente., Trombettista Art Farmer lo ha riconosciuto come’ ancora il marchio la gente va dopo quando si tratta di pura emozione parlare attraverso la musica‘, e la star britannica contemporanea Guy Barker ha dichiarato che qualsiasi jazz privo dello spirito Armstrong era’sta per mancare un sacco’.

Il posto migliore per sperimentare l’effetto galvanizzante perennemente di Armstrong è la sorprendente serie di record che ha fatto tra il 1925 e il 1929, noti collettivamente come i suoi Hot Fives e Sevens., Questi spettacoli abbaglianti di piccoli gruppi hanno trasformato il jazz una volta per tutte, da un allegro accompagnamento per la danza a un linguaggio di illimitata potenza espressiva e virtuosismo. Le meraviglie abbondano, dagli assoli mozzafiato di “Cornet Chop Suey” e “Potato Head Blues”, alla perfetta struttura di “Savoy Blues”, all’esuberante swing e ai fuochi d’artificio tecnici senza sforzo di “Hotter Than That”., Oltre al suo gioco sorprendente, la voce scat unica di Armstrong ha portato una nuova dimensione all’improvvisazione: un pezzo come ‘Heebie Jeebies’ sembra un’effusione di pura gioia, una canzone che non ha bisogno di parole per trasmettere il suo gusto ritmico e melodico. E sul magnifico ‘West End Blues’. la sua tromba e i suoi poteri vocali si combinano per produrre un capolavoro di bruciante emozione.

Ognuno dei Cinque e Sette Caldi proclama il genio di Armstrong, con la stessa immediatezza di quando sono apparsi per la prima volta., Vale la pena avere la serie completa, meravigliarsi della coerenza, della maestria e della sorpresa della sua invenzione, elevando anche la novità più banale ad un altro livello. La scatola di quattro CD su JSP fornisce il canone di base, ben padroneggiato, e offre anche alcuni dei successivi lavori di Armstrong con una big band, mentre iniziava a passare dal genio del jazz alla star dello showbiz internazionale.

E questo, ovviamente, è il modo in cui la maggior parte delle persone lo conosce – Satchmo, l’amato intrattenitore dalla voce ghiaiosa., Ma gli Hot Fives e Sevens rivelano il suo vero successo – la creazione di un corpo di musica che è veramente classico: una volta ascoltato, indimenticabile un enduringly nuovo.

Chet Baker (1929-1988)

Angelo, diavolo o entrambi, Chet Baker è la roba della leggenda del jazz. A metà degli anni ‘ 20, il ragazzo di campagna dell’Oklahoma era famoso, balzando alla celebrità nel 1953 con il quartetto West Coast di tendenza del sassofonista Gerry Mulligan e vincendo sondaggi alla tromba. La sua reputazione non era una semplice bolla pubblicitaria., Dopo aver suonato con Baker nei suoi giorni pre-Mulligan, il pioniere del bebop Charlie Parker ha detto al suo protetto di tromba Miles Davis: “C’è un piccolo gatto bianco sulla costa che ti mangerà.’

Ma nel caso, Chet Baker ha trascorso la maggior parte della sua vita divorando se stesso. Dotato di un enorme talento naturale e di un bell’aspetto pulito, era un ragazzo poster per West Coast cool, il suo gioco lirico e senza sforzo e cantando l’epitome della gioventù spensierata.
Il suo piacere, tuttavia, divenne oscuro e distruttivo., Intorno al 1955, si imbarcò in una servitù per tutta la vita alla droga; il fulcro della sua carriera divenne trovare e finanziare il punteggio successivo, ogni concerto e relazione un mezzo per quel fine ossessivo.

La sua esistenza mano a vena ha preso il suo pedaggio in pene detentive, percosse e caos domestico, riflesso nel suo volto rugoso e devastato. Ma niente di tutto questo sembrava influenzare la sua musica. Come un sideman panettiere messo, ‘ Quando era su, era ancora magia.’E ha continuato a produrre quella magia fino alla sua misteriosa morte in una caduta da una stanza d’albergo di Amsterdam nel 1988.,

Circa dieci anni dopo, Hollywood ha riconosciuto il duraturo incantesimo di Baker: nel talentuoso Mr Ripley, il sinistro truffatore di Matt Damon canta il più grande successo di Chet, ‘My Funny Valentine’, imitando il suo stile vocale struggente. Ancora un classico, the original è la prima traccia di Chet Baker Sings, un CD di performance vintage degli anni ‘ 50. L’album è un classico, una testimonianza di doni di straordinaria purezza. Sostenuto da una sezione ritmica di prim’ordine, Baker offre una sequenza di standard sempreverdi con gusto e facilità consumate, la sua dizione impeccabile, l’intonazione impeccabile., Il suo suonare la tromba fornisce la lamina perfetta, sottile, inventiva e fresca. Dall’inizio alla fine è una delizia, rendendo la sua vita da incubo ancora più inspiegabile.

Ruby Braff (1927-2003)

Nel 1957, un critico si riferì a Ruby Braff come ‘il trombettista tradizionale trentenne’. La descrizione implica il sottotesto leggermente spinato che perseguitava Braff nei suoi primi giorni., Che attività ha fatto un giovane musicista jazz coltivare uno stile vecchio stile quando i suoi contemporanei stavano tutti andando nelle nuove direzioni inebrianti del bebop? Ma lo status di Braff è stato reso ancora più complicato perché ha anche respinto la reazione approvata contro bebop, l’arcaismo deliberato di ‘trad jazz’. Per Ruby, la vera tradizione jazz era il tipo di invenzione ricca e melodica incarnata senza sforzo dai solisti stellari della generazione swing, che riconduceva a Louis Armstrong.,

Quando iniziò la sua carriera intorno alla sua nativa Boston, fu naturalmente attratto da giocatori di circa 20 anni più anziano di lui, come il clarinettista Edmond Hall e il trombonista Vic Dickenson, che lo accolsero come uno spirito affine piuttosto improbabile. Il giovane diminutivo era ovviamente uno di loro, con un suono grasso che poteva comprendere colore e sfumatura, un senso di oscillazione vivace e una tecnica agile ed elastica come quella dei beboppers., Fin dall’inizio, la sfida jazz chiave era, nelle sue parole, ‘Come fa qualcuno a suonare una canzone ben scritta e ben costruita, mantenendo il carattere di essa e poi aggiungendo qualcosa ad essa?’

Fa proprio questo in ogni traccia della compilation Vanguard, Indugiare un po’, tratto da dischi che ha fatto nel 1950 con artisti del calibro di Dickenson e Hall, e la grande squadra ritmica di Count Basie di Walter Page e Jo Jones. Il talento manifesto di Braff in una compagnia così illustre lo rese impossibile da ignorare o patrocinare, specialmente quando il jazz divenne meno dottrinario., Nel corso dei decenni, fino alla sua morte nel 2003, ha conquistato un seguito globale, nonostante la sua personalità pungente.

Preferiva la cornetta più intima alla tromba, e le sue ambientazioni preferite erano piccoli gruppi, esaltando il suo istinto per la struttura e l’eloquenza, la sua ricerca per tutta la vita “di evolvere un modo di suonare”. Uno dei suoi partner preferiti era il pianista Ellis Larkins, e il loro duo CD del 1994, Calling Berlin, Vol. 1, è un capolavoro. Pieno di opulenza romantica, rococò fiorisce, arguzia e invenzione, definisce Braff come non solo un tradizionalista, ma un classico.,

Clifford Brown (1930-1956)

Nel periodo di massimo splendore del secondo dopoguerra, il bebop era conosciuto tanto per il suo stile di vita precario quanto per l’audacia musicale. Generato in non piccola parte dall’aura che circonda il mitico e autodistruttivo Charlie Parker, la tossicodipendenza divenne un rischio professionale tra gli aspiranti jazzisti. Ma in mezzo a questa cronaca di disastro, Clifford Brown ha presentato una brillante alternativa., Il più brillante giovane trombettista della sua generazione, era completamente privo di droga, un modello sia come musicista che come uomo disciplinato e bonario. Così sembrava un trucco del destino particolarmente crudele che, nel 1956, morì in un incidente d’auto, a soli 25 anni.

Anche se aveva registrato solo per quattro anni, Brown ha lasciato una notevole eredità su disco. Ha animato ogni sessione con il suo suono brillante, la sua facilità impeccabile e, soprattutto, la sensazione che tutto ciò che suonava fosse guidato dalla gioia, una voglia insaziabile di dire qualcosa di nuovo in ogni assolo., La fluidità pura è forse la sua qualità più sorprendente, portata avanti da un tono ricco, e un attacco nitido, intelligente e vario come la logica vivace che ha informato le sue improvvisazioni.

Negli ultimi 18 mesi della sua vita aveva trovato il suo mezzo ideale, il quintetto che ha co-guidato con il batterista nonpareil Max Roach. Brown e Roach sono stati perfettamente abbinati nella loro padronanza tecnica e swing, e la loro convinzione condivisa nella creatività del gruppo., Ad unirsi a loro su tenor c’era, prima, il muscoloso Harold Land, e poi – nella formazione della band alla morte di Brown-un talento paragonabile al suo, l’inventivo Sonny Rollins.

Comprensibilmente, il quintetto domina la compilation Clifford Brown nella serie “Finest Hour” di Verve. La selezione mostra la gamma sia di trombettista e banda. Scopri il blithe ‘Joy Spring‘, un afoso’ Delilah ‘e l’eye-popping’ Cherokee’, un pezzo di sfida bebop che Brown corre attraverso una clip lampo, impassibile dal ritmo e ribollendo con le idee., Anche se queste meravigliose registrazioni hanno continuato a ispirare trombettisti e deliziare gli ascoltatori, è difficile non investirli con una sfumatura di rammarico per quello che Clifford Brown avrebbe potuto ottenere se avesse semplicemente avuto più tempo. Nelle parole appropriate dell’epitaffio di Schubert, racchiudono “speranze ancora più giuste”.

Miles Davis (1926-1991)

La maggior parte dei musicisti jazz sono felici solo per ottenere una certa popolarità, ma Miles Davis era una vera e propria icona., Notoriamente di moda anche nei suoi primi giorni-una biografia di Davis è stata sottotitolata ‘The Man in the Green Shirt’ dopo una copertina dell’album particolarmente elegante-la sua adozione del jazz-rock negli anni ’70 e’ 80 lo ha reso una superstar, ammaliando il pubblico non solo con il suo ricambio, declamatorio tromba-suonare, ma anche il suo personaggio meditabondo. Soprannominato il ‘Principe delle tenebre’, si aggirava sul palco in abiti stravaganti alla moda, mercurialmente cueing suo ensemble pesantemente amplificato, creando una deliziosa aura di mistero e minaccia occasionale.

Musicalmente, l’incursione di Davis nella fusion ha diviso i suoi fan., Gli ascoltatori più anziani preferivano la Davis degli anni ‘ 50 e ’60, le cui brillanti band reinventarono ed estesero la tradizione bebop oltre a lanciare talenti seminali come John Coltrane e Herbie Hancock. Ma il cambiamento sembrava il principio trainante della vita artistica e personale di Davis, e abbracciare il rock sembrava una progressione necessaria.

Tuttavia, un fattore costante in tutte le fasi della sua carriera è stata la sua stretta associazione con l’arrangiatore / compositore Gil Evans., Mite, Evans ha agito come amico e consulente musicale, dando il suo contributo cruciale come partner orchestrale di Davis in una grande trilogia di album della fine degli anni ’50, Miles Ahead, Porgy and Bess e Sketches of Spain. I colori impressionisti in bilico di Evans e la sensazione impareggiabile per lo spazio e la trama hanno fornito il foglio ideale per il lirismo vulnerabile, l’intensità e lo swing sornione e sicuro del trombettista.

Anche se i progetti Miles-and-Gil sono tutti classici, Porgy e Bess possono essere i più costantemente in movimento., Arrangiatore e solista trasmutano le melodie familiari di George Gershwin in nuove meraviglie, una serie di soliloqui che comprendono una ricca gamma di emozioni,
con Davis che suona tutte le parti. Il disco nel suo complesso si erge come un monumento allo splendore distintivo
del suono e dell’immaginazione di Davis. Quelle qualità costanti comunicano immediatamente, indipendentemente dal suo status di icona culturale. Ma poi il jazz fa il suo appello finale all’arte, non alla moda.

Dave Douglas (nato nel 1963)

Cosa rende il jazz ‘jazz’ oggi?, Improvvisazione, blues e swing, individualità appassionata-la musica può richiamare le sue qualità classiche, ma la scena di oggi si è scheggiata in una pletora di frammenti postmoderni, da cui ogni giocatore deve costruire una voce distintiva. Nessuno ha affrontato questa sfida con più immaginazione del trombettista Dave Douglas. Infatti, ha sentimenti contrastanti su ciò che lui chiama ‘questa bestia chiamata jazz’: anche se ha sempre voluto suonarlo, vuole incorporare tutti gli altri aspetti della musica e della vita che costringono anche lui., Nel 2003 ha festeggiato il suo 40 ° compleanno con un concerto tenuto da dieci diversi gruppi che ha portato, tra l’Tiny Bell trio con chitarra e batteria (ispirato dalla musica Balcanica); Fascino del Cielo Notturno (di un gruppo da camera con fisarmonica); un sestetto dedicata alle opere trascurato maestri del jazz; e un quintetto con il violoncello e il violino, il cui repertorio comprende Douglas originali, Webern e Stravinsky. Ciò che unisce tutti questi ensemble è l’abilità virtuosistica di Douglas e le sue abilità proteiche come compositore.,

Ha detto che gli piace esplorare ‘quella linea di confine tra composizione e improvvisazione, come un mezzo per fare bella musica che è divertente da suonare’. Ogni pezzo per ogni gruppo è diverso, riflettendo il carattere distintivo della musica e degli interpreti. Nulla si sente pre-ordinato, eppure dissonanza e consonanza, lirismo e arguzia si combinano mentre ogni opera si evolve in una forma organica spontanea.

Quel senso di immediatezza creativa è ciò che dà al lavoro di Douglas la sua forte identità jazz, qualunque sia la fonte del suo materiale., Il suo CD in quintetto, Convergence, include una versione follemente oscillante di una canzone popolare birmana, trattamenti atmosferici di “Desseins éternels” di Messiaen e “Bilbao Song” di Weill, e tra gli altri originali il suo lamento per la guerra del Golfo.

Nel 2006, gli ascoltatori di Radio 3 hanno sperimentato Douglas dal vivo con la prima di Blue Latitudes, la sua meditazione sui viaggi di Captain Cook, con due dei suoi partner abituali, la percussionista Susie Ibarra e il bassista Mark Dresser, con il Birmingham Contemporary Music Group (che ha commissionato il lavoro).,

Roy Eldridge (1911-1989)

Non molto tempo dopo il suo arrivo a New York nel 1930, l’adolescente Roy Eldridge fu soprannominato ‘Little Jazz’, riconoscendo sia la sua corporatura compatta che l’intensità musicale. Fin dall’inizio, il trombettista era desideroso di lasciare il segno, alla ricerca di ‘ogni jam session in corso’, e assumendo tutti gli altri in battaglie di velocità, gamma e audace. Al posto dell’ampio carattere araldico solitamente associato alla tromba, il giovane Eldridge coltivò una fluidità super carica, imitando sassofonisti come Coleman Hawkins.,

Anche se i suoi anziani erano impressionati, avevano delle riserve riguardo alla sua sostanza musicale, che Eldridge stesso venne a condividere. Nelle sue parole, ‘ Ero molto veloce, ma non stavo raccontando nessun tipo di storia.”Con quella realizzazione, il suo talento cominciò a fiorire. La sua facilità per l’eccitazione ad alta tensione e bravura è stata approfondita e rafforzata da un istinto per la struttura musicale, così che un assolo di Eldridge è diventato ancora più emozionante.,

Fino al 1930, è stato il trombettista jazz preminente, producendo il tipo di prestazioni visualizzate in una compilation corretta, Roy Eldridge-Little Jazz Trumpet Giant. Una caratteristica come ‘Heckler Hop’ è
ancora una splendida esperienza: Eldridge sembra a malapena in grado di contenere se stesso come egli divampa attraverso i suoi cori con logica estatica. Come membro della Swing Era elite, egli è circondato da all-star company, tra cui Hawkins, Benny Carter, Benny Goodman, e il suo partner preferito, tenorist Chu Berry.,

Man mano che la sua fama aumentava, la statura di Eldridge era tale che era in grado di sfidare i pregiudizi razziali e unirsi alle band bianche di punta di Gene Krupa e Artie Shaw. Anche se il razzismo radicata esigeva un pedaggio doloroso, i suoi doni sono in mostra sui classici Krupa ‘After You’ve Gone’, che lascia la band ansimando per tenere il passo – e un sentito ‘Rockin’ sedia’. La sua influenza sui giovani trombettisti fu immensa: fornì un modello per pionieri del bebop come Dizzy Gillespie, che descrisse Eldridge come “il Messia della mia generazione”.,

Negli anni successivi, Eldridge ha continuato a ispirare i giocatori e gli ascoltatori, in concerto e in uno stand di dieci anni in un club di New York. Con la sua morte nel 1989, il suo soprannome era stato abbreviato in ‘Jazz’ – la cosa stessa, definendolo.