la trompette est synonyme du son du jazz, mais qui sont les meilleurs trompettistes de jazz de tous les temps? Voici les plus grands trompettistes de jazz de tous les temps, mais avons-nous déjà manqué votre favori? La liste est dans l’ordre alphabétique.,
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Louis Armstrong (1901-1971)
Dans le jazz, toutes les routes mènent à Louis Armstrong. Il est l’exemple suprême de la vitalité du passé animant et défiant le présent., Le trompettiste Art Farmer L « a reconnu comme » toujours la marque que les gens recherchent quand il s « agit d » émotion pure parlant à travers la musique », et la star britannique contemporaine Guy Barker a déclaré que tout jazz manquant de l « esprit Armstrong allait « manquer beaucoup ».
Le meilleur endroit pour expérimenter L’effet galvanisant permanent D’Armstrong est l’étonnant ensemble de records qu’il a réalisés entre 1925 et 1929, collectivement connus sous le nom de ses Hot Fives et Sevens., Ces performances éblouissantes en petit groupe ont transformé une fois pour toutes le jazz, d’un accompagnement joyeux pour la danse à un langage d’une puissance expressive et d’une virtuosité sans limites. Les merveilles abondent, des solos à couper le souffle de « Cornet Chop Suey » et « Potato Head Blues », à la structure parfaite de « Savoy Blues », en passant par le swing exubérant et le feu d’artifice technique sans effort de « Hotter Than That »., Outre son jeu surprenant, La Voix scat unique D’Armstrong a apporté une nouvelle dimension à l’improvisation: une pièce comme ‘Heebie Jeebies’ semble une effusion de joie pure, une chanson qui n’a pas besoin de mots pour transmettre son enthousiasme rythmique et mélodique. Et sur le magnifique « West End Blues ». sa trompette et ses pouvoirs vocaux se combinent pour produire un chef-d’œuvre d’émotion brûlante.
chacun des Hot Fives et Sevens proclame le génie D’Armstrong, avec la même immédiateté que lors de leur première apparition., Il vaut la peine d’avoir la série complète, de s’émerveiller de la cohérence, de la maîtrise et de la surprise de son invention, élevant même la nouveauté la plus triviale à un autre niveau. La boîte de quatre CD sur JSP fournit le canon de base, bien maîtrisé, et offre également une partie du travail ultérieur D’Armstrong avec un big band, alors qu’il commençait à passer du génie du jazz à la star internationale du showbiz.
et c’est bien sûr ainsi que la plupart des gens le connaissent – Satchmo, l’artiste bien-aimé à la voix de gravier., Mais les Hot Fives et Sevens révèlent sa véritable réussite – la création d’un corpus Musical vraiment classique: une fois entendu, inoubliable et durablement nouveau.
Chet Baker (1929-1988)
Ange, démon, ou les deux, Chet Baker est la substance même de la légende du jazz. Au milieu des années 20, Le country boy de L’Oklahoma était célèbre, sautant vers la célébrité en 1953 avec le quatuor tendance West Coast du saxophoniste Gerry Mulligan et gagnant des sondages à la trompette. Sa réputation n’était pas une simple bulle publicitaire., Après avoir joué avec Baker dans ses jours pré-Mulligan, le pionnier du bebop Charlie Parker a dit à son protégé de la trompette Miles Davis, » il y a un petit chat blanc sur la côte qui va vous manger. »
Mais dans l’événement, Chet Baker a passé la majeure partie de sa vie à se dévorer. Doté d’un énorme talent naturel et d’une belle apparence, il était un affichiste pour West Coast cool, son jeu et son chant lyriques sans effort incarnent la jeunesse insouciante.
son propre plaisir, cependant, est devenu sombre et destructeur., Vers 1955, il se lance dans une servitude permanente à la drogue; l’objectif de sa carrière est de trouver et de financer la partition suivante, chaque concert et chaque relation un moyen de parvenir à cette fin obsessionnelle.
son existence de la main à la veine a fait des ravages dans les peines de prison, les coups et le chaos domestique, reflétés dans son visage ridé et ravagé. Mais rien de tout cela ne semblait affecter sa musique. Comme L’a dit un sideman Boulanger, » quand il était sur, il était encore magique. »Et il a continué à produire cette magie jusqu’à sa mort mystérieuse dans une chute d’une chambre d’hôtel à Amsterdam en 1988.,
Une dizaine d’années plus tard, Hollywood a reconnu le sort Baker durable: dans Le Talentueux Mr Ripley, le plus grand succès de Matt Damon, « My Funny Valentine », imitant son style vocal aspirant. Toujours un classique, l’original est le premier morceau de Chet Baker Sings, un CD de performances vintage des années 1950. l’album est un classique, un témoignage de dons d’une pureté extraordinaire. Soutenu par une section rythmique de premier ordre, Baker livre une séquence de standards persistants avec un goût et une facilité consommés, sa diction impeccable, son intonation impeccable., Son jeu de trompette fournit la feuille parfaite, subtile, inventive et fraîche. Du début à la fin, c’est un délice, rendant sa vie de cauchemar d’autant plus inexplicable.
Ruby Braff (1927-2003)
en 1957, un critique a qualifié Ruby Braff de « trompettiste traditionnelle de 30 ans ». La description implique le sous-texte légèrement barbelé qui tenaillait Braff à ses débuts., Quelle entreprise un jeune musicien de jazz cultivait-il un style à l’ancienne alors que ses contemporains allaient tous dans les nouvelles directions enivrantes du bebop? Mais le statut de Braff a été rendu encore plus compliqué parce qu’il a également rejeté la réaction approuvée contre le bebop, l’archaïsme délibéré du « jazz trad ». Pour Ruby, La véritable tradition du jazz était le genre d’invention riche et mélodique incarnée sans effort par les solistes vedettes de la génération swing, qui a mené à Louis Armstrong.,
alors qu’il commence sa carrière dans sa ville natale de Boston, il est naturellement attiré par des musiciens de 20 ans son aîné, tels que le clarinettiste Edmond Hall et le tromboniste Vic Dickenson, qui l’accueillent comme un esprit de famille plutôt improbable. Le petit jeune homme était évidemment l’un d’entre eux, avec un son gras qui pouvait englober la couleur et la nuance, un sens du swing flottant, et une technique aussi agile et souple que celle des beboppers., Dès le début, le principal défi du jazz était, selon ses mots, » comment quelqu’un joue-t-il une chanson bien écrite et bien construite, en gardant le caractère de celle-ci et en y ajoutant quelque chose?’
Il fait exactement cela dans chaque morceau de la compilation Vanguard, Linger Awhile, tirée des disques qu’il a fait dans les années 1950 avec Dickenson et Hall, et la grande équipe rythmique de Count Basie composée de Walter Page et Jo Jones. Le talent manifeste de Braff dans une compagnie aussi illustre le rendait impossible à ignorer ou à fréquenter, d’autant plus que le jazz devenait moins doctrinaire., Au fil des décennies, jusqu’à sa mort en 2003, il a gagné un public mondial, malgré sa personnalité épineuse.
il préférait le cornet plus intime à la trompette, et ses arrangements favoris étaient de petits groupes, renforçant son instinct pour la structure et l’éloquence, sa quête de toute sa vie « pour faire évoluer une façon de jouer ». L’un de ses Partenaires Préférés était le pianiste Ellis Larkins, et leur duo CD de 1994, Calling Berlin, Vol. 1, est un chef-d’œuvre. Plein d’opulence romantique, de fioritures rococo, d’esprit et d’invention, il définit Braff comme non seulement un traditionaliste mais un classique.,
Clifford Brown (1930-1956)
à son apogée après la Seconde Guerre mondiale, le bebop était connu autant pour son style de vie précaire que pour son audace musicale. Générée en grande partie par l’aura entourant le mythique et autodestructeur Charlie Parker, la toxicomanie est devenue un danger professionnel chez les aspirants musiciens de jazz. Mais au milieu de cette chronique de catastrophe, Clifford Brown a présenté une alternative brillante., Le jeune trompettiste le plus brillant de sa génération, il était complètement sans drogue, un modèle à la fois en tant que musicien et homme discipliné et bon enfant. Ainsi, il semblait un tour du destin particulièrement cruel que, en 1956, il est mort dans un accident de voiture, à seulement 25 ans.
bien qu’il n’enregistre que depuis quatre ans, Brown laisse un héritage considérable sur disque. Il animait chaque session avec son son brillant, sa facilité impeccable et, surtout, le sentiment que tout ce qu’il jouait était animé par le plaisir, une envie insatiable de dire quelque chose de nouveau dans chaque solo., La fluidité pure est peut-être sa qualité la plus frappante, portée par une tonalité riche, et une attaque aussi nette, intelligente et variée que la logique flottante qui a guidé ses improvisations.
au cours des 18 derniers mois de sa vie, il a trouvé son médium idéal, le quintet qu’il a codirigé avec le batteur Nonpareil Max Roach. Brown et Roach étaient parfaitement assortis dans leur maîtrise technique et leur swing, et leur conviction commune dans la créativité du groupe., Se joignant à eux sur tenor était, d’abord, le nerveux Harold Land, puis – dans la formation du groupe à la mort de Brown-un talent comparable au sien, L’inventif Sonny Rollins.
naturellement, le quintette domine la compilation Clifford Brown dans la série « Finest Hour » de Verve. La sélection montre la gamme du trompettiste et du groupe. Découvrez le blithe « Joy Spring », un sensuel « Delilah » et L’accrocheur « Cherokee », une pièce de défi bebop que Brown court à travers un clip de foudre, imperturbable par le rythme et bouillonnant d’idées., Bien que ces merveilleux enregistrements aient continué à inspirer les trompettistes et à ravir les auditeurs, est-il difficile de ne pas les investir d’une teinte de regret pour ce que Clifford Brown aurait pu réaliser s’il avait simplement eu plus de temps. Selon les mots appropriés de L’épitaphe de Schubert, ils consacrent « des espoirs encore plus justes ».
Miles Davis (1926-1991)
la Plupart des musiciens de jazz sont tout simplement heureux d’atteindre une certaine popularité, mais Miles Davis était une véritable icône., Célèbre à la mode même à ses débuts – une biographie de Davis a été sous – titrée « The Man in the Green Shirt » après une pochette d’album particulièrement élégante-son adoption du jazz-rock dans les années 1970 et 80 a fait de lui une superstar, ensorcelant le public avec non seulement son jeu de trompette déclamatoire, mais aussi son personnage Surnommé Le « Prince des ténèbres », il rôdait sur la scène dans des vêtements extravagants et branchés, surveillant son ensemble fortement amplifié, créant une délicieuse aura de mystère et de menace occasionnelle.
musicalement, L’incursion de Davis dans la fusion a divisé ses fans., Les auditeurs plus âgés préféraient les Davis des années 50 et 60, dont les brillants groupes réinventaient et étendaient la tradition bebop et lançaient des talents séminaux tels que John Coltrane et Herbie Hancock. Mais le changement semblait le principe moteur de la vie artistique et personnelle de Davis, et embrasser le rock semblait une progression nécessaire.
cependant, un facteur constant à toutes les phases de sa carrière a été son étroite association avec l’arrangeur/ compositeur Gil Evans., Doux, Evans a agi comme ami et conseiller musical, apportant sa contribution cruciale en tant que partenaire orchestral de Davis dans une grande trilogie d’albums de la fin des années 50, Miles Ahead, Porgy and Bess et Sketches of Spain. Les couleurs impressionnistes planantes d’Evans et le sentiment inégalé pour l’espace et la texture ont fourni la feuille idéale pour le lyrisme vulnérable, l’intensité et le swing sournois et sûr du trompettiste.
bien que les projets Miles-and-Gil soient tous des classiques, Porgy and Bess est peut-être le plus émouvant., Arrangeur et soliste transmutent les mélodies familières de George Gershwin en de nouvelles merveilles, une série de soliloques englobant un riche éventail d’émotions,
Avec Davis jouant toutes les parties. Le disque dans son ensemble se dresse comme un monument à la splendeur distinctive
Du Son et de l’imagination de Davis. Ces qualités durables communiquent à la fois, quel que soit son statut d’icône culturelle. Mais alors le jazz fait son ultime appel à l’art, pas à la mode.
Dave Douglas (né en 1963)
Qu’est-ce qui fait du jazz « jazz » aujourd’hui?, Improvisation, blues et swing, individualité passionnée-la musique peut revenir à ses qualités classiques, mais la scène d’aujourd’hui s’est morcelée en une pléthore de fragments postmodernes, à partir desquels chaque joueur doit construire une voix distinctive. Personne n’a relevé ce défi avec plus d’imagination que le trompettiste Dave Douglas. En fait, il a des sentiments mitigés à propos de ce qu’il appelle « cette bête appelée jazz »: bien qu’il ait toujours voulu le jouer, il veut incorporer tous les autres aspects de la musique et de la vie qui le contraignent, aussi., En 2003, il a célébré son 40e anniversaire avec un concert donné par dix groupes différents qu’il a dirigés, dont le Tiny Bell trio, avec guitare et batterie (inspiré de la musique des Balkans); Charms of the Night Sky (un groupe de chambre avec accordéon); un sextet consacré à des œuvres de maîtres du jazz négligés; et un quintette avec violoncelle et violon Ce qui unit tous ces ensembles, C’est la virtuosité de Douglas et ses talents protéiformes de compositeur.,
il a dit qu’il aime explorer « cette frontière entre la composition et l’improvisation, comme un moyen de faire de la belle musique qui est amusante à jouer ». Chaque pièce pour chaque groupe est différente, reflétant le caractère distinctif de la musique et des interprètes. Rien ne semble pré-ordonné, mais dissonance et consonance, lyrisme et esprit se combinent à mesure que chaque œuvre évolue en une forme organique spontanée.
Ce sentiment d’immédiateté créative est ce qui donne au travail de Douglas sa forte identité jazz, quelle que soit la source de son matériel., Son quintet, Convergence, comprend une version follement balancée d’une chanson folklorique birmane, des traitements atmosphériques de desseins éternels de Messiaen et de Bilbao Song de Weill, et entre autres originaux sa complainte pour la guerre du Golfe.
en 2006, les auditeurs de Radio 3 ont fait l’expérience de Douglas live avec la première de Blue Latitudes, sa méditation sur les voyages du Capitaine Cook, mettant en vedette deux de ses partenaires réguliers, la percussionniste Susie Ibarra et le bassiste Mark Dresser, avec le Birmingham Contemporary Music Group (qui a commandé l’œuvre).,
Roy Eldridge (1911-1989)
peu de temps après son arrivée à New York en 1930, L’adolescent Roy Eldridge a été surnommé « Little Jazz », reconnaissant à la fois sa construction compacte et son intensité musicale. Dès le début, le trompettiste a tenu à faire sa marque, cherchant à « chaque jam session », et affrontant tous les arrivants dans des batailles de vitesse, de portée et d’audace. Au lieu du caractère large et héraldique habituellement associé à la trompette, le jeune Eldridge cultive une aisance débordante, imitant des saxophonistes comme Coleman Hawkins.,
bien que ses aînés aient été impressionnés, ils avaient des réserves concernant sa substance musicale, ce Qu’Eldridge lui-même est venu partager. Dans ses mots, » j’étais très rapide, mais je ne racontais aucune sorte d’histoire. »Avec cette réalisation, son talent a commencé à fleurir. Sa facilité pour la haute tension, l’excitation de bravoure a été approfondie et renforcée par un instinct pour la structure musicale, de sorte qu’un solo D’Eldridge est devenu encore plus excitant.,
dans les années 1930, il était le trompettiste de jazz prééminent, produisant le genre de performances affichées dans une compilation appropriée, Roy Eldridge-Little Jazz Trumpet Giant. Une caractéristique comme ‘Heckler’s Hop’ est
encore une expérience étonnante: Eldridge semble à peine capable de se contenir alors qu’il flambe à travers ses refrains avec une logique extatique. En tant que membre de L’élite de L’ère Swing, il est entouré d’une compagnie all-star, y compris Hawkins, Benny Carter, Benny Goodman, et son partenaire préféré, le tenorist Chu Berry.,
Au fur et à mesure que sa renommée augmentait, la stature D’Eldridge était telle qu’il était capable de défier les préjugés raciaux et de rejoindre les bandes blanches de haut vol de Gene Krupa et Artie Shaw. Bien que le racisme enraciné exige un péage douloureux, ses dons sont présentés sur les classiques Krupa « After You’ve Gone » qui laisse le groupe haletant pour suivre – et un « Rockin ‘Chair » sincère. Son influence sur les jeunes trompettistes était immense: il a fourni un modèle pour des pionniers du bebop tels que Dizzy Gillespie, qui a décrit Eldridge comme « le Messie de ma génération ».,
dans les années suivantes, Eldridge a continué à inspirer les joueurs et les auditeurs, en concert et dans un stand de dix ans dans un club de New York. À sa mort en 1989, son surnom avait été raccourci en « Jazz » – la chose elle-même, le définissant.
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