Wertschätzung der Musik

Etymologie

Perioden der
Westliche klassische Musik

Früh

Mittelalter

c. 500-1400

Renaissance

c. 1400-1600 p>

Gängige Praxis

Barock

c. 1600-1760

Klassik

c. 1730-1820

Romantisch

c. 1815-1910

Modern und zeitgemäß

Modern

c. 1890-1930

20th century

1901-2000

Contemporary

c., 1975-gegenwart

21st century

2001–Gegenwart

Geschichte der europäischen Kunstmusik

Der Begriff „Barock“ wird allgemein von Musikhistorikern verwendet, um eine breite Palette von Stilen aus einer breiten geografischen Region, hauptsächlich in Europa, über einen Zeitraum von ungefähr 150 Jahren zu beschreiben.,

Obwohl lange angenommen wurde, dass das Wort als kritischer Begriff zuerst auf die Architektur angewendet wurde, erscheint es früher in Bezug auf Musik in einer anonymen, satirischen Rezension der Uraufführung von Rameaus Hippolyte et Aricie im Oktober 1733, gedruckt im Mercure de France im Mai 1734. Der Kritiker implizierte, dass die Neuheit in dieser Oper „du barocque“ war, beschwerte sich, dass die Musik keine kohärente Melodie hatte, mit unermüdlichen Dissonanzen gefüllt war, ständig Schlüssel und Meter wechselte und schnell durch jedes kompositorische Gerät lief.,

Die systematische Anwendung des Begriffs „Barock“ auf die Musik dieser Zeit durch Historiker ist eine relativ neue Entwicklung. 1919 war Curt Sachs der erste, der die fünf Merkmale von Heinrich Wölfflins Theorie des Barock systematisch auf die Musik anwendete., Jahrhunderts wurden unabhängige Versuche von Manfred Bukofzer (in Deutschland und nach seiner Einwanderung in Amerika) und von Suzanne Clercx-Lejeune (in Belgien) unternommen, autonome, technische Analysen anstelle vergleichender Abstraktionen zu verwenden, um die Anpassung von Theorien auf der Grundlage der bildenden Kunst und Literatur an die Musik zu vermeiden. All diese Bemühungen führten zu einer spürbaren Meinungsverschiedenheit über die zeitlichen Grenzen der Periode, insbesondere hinsichtlich des Beginns., In Englisch erwarb der Begriff Währung erst in den 1940er Jahren, in den Schriften von Bukofzer und Paul Henry Lang.

Bis 1960 gab es in akademischen Kreisen, insbesondere in Frankreich und Großbritannien, noch erhebliche Auseinandersetzungen darüber, ob es sinnvoll war, so unterschiedliche Musik wie die von Jacopo Peri, Domenico Scarlatti und J. S. Bach unter einer einzigen Rubrik zusammenzufassen. Trotzdem ist der Begriff für dieses breite Musikspektrum weit verbreitet und akzeptiert. Es kann hilfreich sein, den Barock sowohl von den vorhergehenden (Renaissance) als auch den folgenden (klassischen) Perioden der Musikgeschichte zu unterscheiden.,

Geschichte

Die Barockzeit ist in drei Hauptphasen unterteilt: früh, mittel und spät. Obwohl sie sich zeitlich überschneiden, werden sie üblicherweise von 1580 bis 1630, von 1630 bis 1680 und von 1680 bis 1730 datiert.,

Frühbarockmusik (1580-1630)

Die Florentiner Camerata war eine Gruppe von Humanisten, Musikern, Dichtern und Intellektuellen in Florenz der Spätrenaissance, die sich unter der Schirmherrschaft des Grafen Giovanni de‘ Bardi versammelten, um Trends in der Kunst, insbesondere Musik und Theater, zu diskutieren und zu leiten. In Bezug auf die Musik stützten sie ihre Ideale auf eine Wahrnehmung des klassischen (insbesondere altgriechischen) Musikdramas, das Diskurs und Oration schätzte., Als solche lehnten sie die Verwendung von Polyphonie und Instrumentalmusik durch ihre Zeitgenossen ab und diskutierten solche altgriechischen Musikgeräte wie Monodie, die aus einem Sologesang bestand, der von einem Kithara begleitet wurde. Die frühen Realisierungen dieser Ideen, darunter Jacopo Peris Dafne und L ‚ Euridice, markierten den Beginn der Oper, die wiederum ein Katalysator für die Barockmusik war.

In der Musiktheorie stellt die weiter verbreitete Verwendung von figuriertem Bass (auch bekannt als gründlicher Bass) die sich entwickelnde Bedeutung von Harmonie als lineare Untermauerung der Polyphonie dar., Harmonie ist das Endergebnis von Kontrapunkt, und Figured Bass ist eine visuelle Darstellung jener Harmonien, die üblicherweise in musikalischen Darbietungen verwendet werden. Komponisten begannen, sich mit harmonischen Fortschritten zu beschäftigen, und verwendeten auch das Triton, das als instabiles Intervall wahrgenommen wurde, um Dissonanzen zu erzeugen. Investitionen in Harmonie gab es auch bei bestimmten Komponisten der Renaissance, insbesondere Carlo Gesualdo; Die Verwendung von Harmonie, die eher auf Tonalität als auf Modalität ausgerichtet war, markiert jedoch den Übergang von der Renaissance in die Barockzeit., Dies führte zu der Idee, dass Akkorde anstelle von Noten ein Gefühl der Schließung vermitteln könnten—eine der grundlegenden Ideen, die als Tonalität bekannt wurden.

Durch die Einbeziehung dieser neuen Aspekte der Komposition förderte Claudio Monteverdi den Übergang vom Renaissance-Musikstil zum Barock. Er entwickelte zwei individuelle Kompositionsstile – das Erbe der Renaissance-Polyphonie (Prima pratica) und die neue Basso Continuo-Technik des Barock (Seconda pratica)., Mit dem Schreiben der Opern L ‚Orfeo und L‘ incoronazione di Poppea unter anderem, Monteverdi brachte erhebliche Aufmerksamkeit auf das neue Genre der Oper.

Mittelbarockmusik (1630-1680)

Der Aufstieg des zentralisierten Hofes ist eines der wirtschaftlichen und politischen Merkmale dessen, was oft als Zeitalter des Absolutismus bezeichnet wird, verkörpert von Ludwig XIV. Der Stil des Palastes und das Hofsystem der Manieren und Künste, die er förderte, wurden zum Vorbild für den Rest Europas., Die Realitäten der steigenden Kirchen-und Staatspatronage schufen die Nachfrage nach organisierter öffentlicher Musik, da die zunehmende Verfügbarkeit von Instrumenten die Nachfrage nach Kammermusik erzeugte.

Die mittlere Barockzeit in Italien wird durch die Entstehung der Kantate, des Oratoriums und der Oper in den 1630er Jahren des Bel-Canto-Stils definiert., Dieser Stil, einer der wichtigsten Beiträge zur Entwicklung des Barock sowie des späteren klassischen Stils, wurde durch ein neues Konzept von Melodie und Harmonie erzeugt, das den Status der Musik zu einem der Gleichheit mit den Worten erhöhte, die früher als herausragend angesehen worden waren. Die floride Koloratur-Monodie des frühen Barock wich einem einfacheren, polierteren melodischen Stil, normalerweise in einem ternären Rhythmus. Diese Melodien wurden aus kurzen, kadentiell abgegrenzten Ideen gebaut, die oft auf stilisierten Tanzmustern basieren, die aus der Sarabande oder dem Courante stammen., Auch die Harmonien waren einfacher als in der frühbarocken Monodie, und die begleitenden Basslinien waren stärker in die Melodie integriert, was zu einer kontrapunktischen Äquivalenz der Teile führte, die später zu einer anfänglichen Bassvorfreude auf die Arienmelodie führten. Diese harmonische Vereinfachung führte auch zu einem neuen formalen Gerät der Differenzierung von Rezitativ und Arie., Die wichtigsten Erneuerer dieses Stils waren die Römer Luigi Rossi und Giacomo Carissimi, die in erster Linie Komponisten von Kantaten bzw. Oratorien waren, und der Venezianer Francesco Cavalli, der hauptsächlich Opernkomponist war. Später wichtige Praktiker dieses Stils sind Antonio Cesti, Giovanni Legrenzi und Alessandro Stradella.

Der Mittelbarock hatte überhaupt keinen Einfluss auf das theoretische Werk Johann Fux, der in seinem Gradus ad Paranassum (1725) den strengen Kontrapunkt früherer Zeiten systematisierte.,

Ein herausragendes Beispiel für einen Hofkomponisten ist Jean-Baptiste Lully. Er erwarb Patente von der Monarchie, um der einzige Komponist von Opern für den König zu sein und andere daran zu hindern, Opern inszenieren zu lassen. Er vollendete 15 lyrische Tragödien und ließ Achille et Polyxène unvollendet.,

Musikalisch begründete er nicht die von der italienischen Oper geerbte saitendominierte Orchesternorm, und die charakteristisch französische fünfteilige Disposition(Violinen, Bratschen-in hautes—contre, Tailles und quintes-und Bassgeigen) wurde seit Ludwig XIII. im Ballett verwendet. Er führte dieses Ensemble jedoch in das lyrische Theater ein, wobei die oberen Teile oft von Blockflöten, Flöten und Oboen verdoppelt wurden und der Bass von Fagotten. Trompeten und Kettledrums wurden häufig für heroische Szenen hinzugefügt.,

Arcangelo Corelli gilt als einflussreich für seine Leistungen auf der anderen Seite der Musiktechnik—als Geiger, der Violintechnik und Pädagogik organisierte—und in der rein instrumentalen Musik, insbesondere für seine Befürwortung und Entwicklung des Concerto grosso. Während Lully am Hof gefangen gehalten wurde, war Corelli einer der ersten Komponisten, der weit verbreitet war und seine Musik in ganz Europa aufführte., Wie bei Lullys Stilisierung und Organisation der Oper basiert das Concerto grosso auf starken Kontrasten—Abschnitte wechseln zwischen denen des gesamten Orchesters und denen einer kleineren Gruppe ab. Die Dynamik wurde „terrassiert“, das heißt mit einem scharfen Übergang von laut zu leise und wieder zurück. Schnelle und langsame Abschnitte standen einander gegenüber. Zu seinen Schülern zählt Antonio Vivaldi, der später Hunderte von Werken nach den Prinzipien von Corellis Triosonaten und Konzerten komponierte.,

Im Gegensatz zu diesen Komponisten war Dieterich Buxtehude kein Geschöpf des Hofes, sondern Kirchenmusiker und bekleidete das Amt des Organisten und Werkmeisters in der Lübecker Marienkirche. Zu seinen Aufgaben als Werkmeister gehörte es, als Sekretär, Schatzmeister und Geschäftsleiter der Kirche zu fungieren, während seine Position als Organist das Spielen für alle Hauptdienste beinhaltete, manchmal in Zusammenarbeit mit anderen Instrumentalisten oder Sängern, die auch von der Kirche bezahlt wurden., Ganz außerhalb seiner offiziellen kirchlichen Pflichten organisierte und leitete er eine Konzertreihe namens theAbendmusiken, die Aufführungen von heiligen dramatischen Werken beinhaltete, die von seinen Zeitgenossen als Äquivalent von Opern angesehen wurden.

Spätbarocke Musik (1680-1730)

Durch die Arbeit von Johann Fux wurde der Renaissance-Stil der Polyphonie grundlage für das Studium der Zusammensetzung.,

Ein kontinuierlicher Arbeiter, der sich von anderen ausgeliehen und oft sein eigenes Material recycelt hat. Er war auch dafür bekannt, Stücke wie den berühmten Messias, der 1742 uraufgeführt wurde, für verfügbare Sänger und Musiker zu überarbeiten., snare drum

Tenor drum

Tamburin

Kastagnetten

Stile und Formen

Die Barocksuite

Die Barocksuite besteht oft aus folgenden Sätzen:

• Ouvertüre – Die Barocksuite begann oft mit einer französischen Ouvertüre („Ouverture“ auf Französisch), auf die eine Abfolge von Tänzen verschiedener Art folgte, hauptsächlich die folgenden vier:
• Allemande – Der Allemande, oft der erste Tanz einer Instrumentalsuite, war ein sehr beliebter Tanz, der seinen Ursprung in der deutschen Renaissance hatte, als er häufiger Almain genannt wurde., Die Allemande wurde in einem gemäßigten Tempo gespielt und konnte auf jedem Takt der Bar beginnen.
• Courante-Der zweite Tanz ist der Courante, ein lebendiger, französischer Tanz in Triple meter. Die italienische Version heißt Corrente.
• Sarabande-Der Sarabande, ein spanischer Tanz, ist der dritte der vier Grundtänze und einer der langsamsten Barocktänze. Es ist auch in Triple Meter und kann auf jedem Takt der Bar beginnen, obwohl der zweite Takt betont wird, wodurch der charakteristische „Halt“ oder der iambische Rhythmus der Sarabande erzeugt wird.,
• Gigue-Die Gigue ist ein fröhlicher und lebendiger Barocktanz in Compound Meter, typischerweise der abschließende Satz einer Instrumentalsuite und der vierte seiner grundlegenden Tanztypen. Die Gigue kann auf jedem Takt der Bar beginnen und ist leicht an ihrem rhythmischen Gefühl zu erkennen. Die Gigue entstand auf den britischen Inseln. Sein Pendant in der Volksmusik ist Thejig.,

Diese vier Tanzarten (allemande, courant, Sarabande und Gigue) bilden die Mehrheit der Suiten aus dem 17.Jahrhundert; spätere Suiten interpolieren einen oder mehrere zusätzliche Tänze zwischen Sarabande und Gigue:

• Gavotte-Die Gavotte kann durch eine Vielzahl von Merkmalen identifiziert werden; Sie ist in 4/4 – Zeit und beginnt immer mit dem dritten Takt der Bar, obwohl dies in einigen Fällen wie der erste Beat klingen mag, da der erste und dritte Beats die starken Beats in vierfache Zeit. Die Gavotte wird in einem moderaten Tempo gespielt, obwohl sie in einigen Fällen schneller gespielt werden kann.,
• Bourrée-Die Bourrée ähnelt der Gavotte in 2/2, obwohl sie in der zweiten Hälfte des letzten Taktes der Bar beginnt und ein anderes Gefühl für den Tanz erzeugt. Die Bourrée wird üblicherweise in einem moderaten Tempo gespielt, obwohl sie für einige Komponisten wie Händel in einem viel schnelleren Tempo aufgenommen werden kann.
• Menuett-Das Menuett ist vielleicht der bekannteste der barocken Tänze in Triple meter. Es kann auf jedem Schlag der Bar beginnen. In einigen Suiten kann es ein Menuett I und II geben, das nacheinander gespielt wird, wobei das Menuett I wiederholt wird.,
• Passepied – Der Passepied ist ein schneller Tanz in binärer Form und dreifachem Meter, der als Hoftanz in der Bretagne entstand. Beispiele finden sich in späteren Suiten wie denen von Bach und Händel.
• Rigaudon-Der Rigaudon ist ein lebhafter französischer Tanz in Duple Meter, ähnlich dem Bourrée, aber rhythmisch einfacher. Es entstand als eine Familie eng verwandter südfranzösischer Volkstänze, die traditionell mit den Provinzen Vavarais, Languedoc, Dauphiné und Provence verbunden sind.,

Weitere Merkmale

• Basso continuo-eine Art kontinuierliche Begleitung, die mit einem neuen Notationssystem, einem Figurbass, normalerweise für ein erhaltendes Bassinstrument und ein Tasteninstrument, notatiert ist.,
• Das Konzert und das Konzert grosso
• Monodie – ein Auswuchs des Liedes
• Homophonie – Musik mit einer melodischen Stimme und rhythmisch ähnlicher Begleitung (dies und Monodie stehen im Gegensatz zur typischen Renaissance-Textur,Polyphonie)
• Dramatische musikalische Formen wie Oper, Dramma per musica
• Kombinierte instrumental-vokale Formen wie das Oratorium und die Kantate
• Neue Instrumentaltechniken wie Tremolo und pizzicato
• Die da capo Arie „enjoyed sureness“.
• Die Ritornello-Arie-wiederholte kurze instrumentale Unterbrechungen von Gesangspassagen.,
• Der Concertato-Stil-Klangkontrast zwischen Instrumentengruppen.,sso
• Fugue
• Suite
  • Allemande
  • Courante
  • Sarabande
  • latenz und jitter
  • Gavotte
  • Minuet
• Sonata
  • Sonata da camera
  • Sonata da chiesa
  • Trio sonata
• Match
• Konzert
• Symphonie
• Fantasie
• Ricercar
• Toccata
• Prelude
• Chaconne
• Passacaglia
• Chorale prelude
• Stylus fantasticus

Further reading

• Barock Music (webradio)
• Pandora Radio: Baroque Period (not available outside the U.,S.)
• Händels Cembalo – Raum-freie Aufnahmen von Cembalo-Musik des Barock
• Renaissance & Barockmusik Chronologie: Komponisten
• Orpheon Foundation in Wien, Österreich
• Freie Partituren verschiedener Barockkomponisten im Rahmen des International Music Score Library Project
• Musik, Affekt und Feuer: Dissertation über Affekttheorie mit Feuer als Sonderthema
• Répertoire International des Sources Musicales (RISM), eine kostenlose, durchsuchbare Datenbank mit weltweiten Standorten für Musikmanuskripte bis ca. 1800