Caravaggio: ‚Er lebte schlecht, brutal‘

Auf dem Weg vom Bahnhof, Ich komme durch enge mittelalterliche Via dei Tribunali, terrorisiert von Lastwagen und Mopeds, Vorbei an Straßenständen beladen mit dem billigsten und besten Essen in Italien. Die Gebäude im alten Herzen von Neapel sind geschwärzt, nah, bedrohlich. „Infamia“, steht auf einem Plakat an einer Barockkirche. Seit letztem Oktober wurden 40 Menschen in einem Krieg zwischen den Camorra-Banden der Stadt getötet.,

Von dieser turbulenten Straße öffnet sich ein Tor zu einem Hof aus dem 17.Jahrhundert, in dem Ärzte in weißen Kitteln scherzen. In einem Wartezimmer sitzen Kinder geduldig. Die Ärzte hier dienen den Armen von Neapel die gleiche Wohltätigkeit, die seit dem 16. Jahrhundert von dieser katholischen Einrichtung, Pio Monte della Misericordia – Heiliger Berg der Barmherzigkeit – ausgegeben wird. Ich finde eine Treppe und folge ihr nach oben und verwandle mich in einen grauen Korridor. Es sieht nicht so aus, als ob Il Caravaggio so ist.

Dies ist eine Stadt, die immer vom Gebet gelebt hat., Auf der anderen Straßenseite erhebt sich ein fantastisches Denkmal, eine Art Turm, der mit Kirschen und Blumen gedeiht, und erinnert an die Rettung Neapels vor einem Ausbruch des Vesuvs durch die wundersame Intervention von San Gennaro im Jahr 1631. Ich nehme an, wenn Sie unter Europas gefährlichsten Vulkan leben, müssen Sie an Wunder glauben. Geschäfte in Neapel verkaufen kleine bemalte Tableaux, die Christus zeigen, der Sünder von den roten Flammen der Hölle erlöst.

Als ich die Kirche nebenan betrete, erreiche ich endlich den Ort des Altarbildes, das Caravaggio 1606-7 für den Heiligen Berg der Barmherzigkeit gemalt hat., Und … die Leinwand ist weg. Ein Rosenvorhang bedeckt den riesigen leeren Raum. Die sieben Werke der Barmherzigkeit (klicken Sie hier, um das Werk zu sehen) wurden den Hügel hinaufgetragen, um in der Ausstellung im Capodimonte Museum mitzuspielen. Also klettere ich zu diesem Palast auf einem Hügel, der die silberne Bucht von Neapel mit seiner kräftigen Zersiedelung überblickt. „Carav-a-a-a-ggio“, begeistern Neapolitaner und römische Tagesausflügler, die unter tuffgrauen Kolonnaden Schlange stehen. Im Inneren ist das Gemälde – fast 4 m hoch-gut beleuchtet, und Sie können in der Nähe einer Leinwand stehen, die normalerweise in heiliger Finsternis hinter einem Altar hängt., Es ist eine erstaunliche Arbeit; Ein Gemälde für Neapel Wenn es jemals eines gab, handelte sich eine Vision von Barmherzigkeit und Nächstenliebe aus, nicht in einem imaginären Heiligen Land, sondern auf den Straßen.

Caravaggio liebte es, Straßen zu malen – die echten, staubigen, dunklen Straßen Roms und Neapels zu Beginn des 17. Schattige Türen mit abgenutzten Stürzen, quadratische Fenster mit Eisengittern, Tore, die in dunkle Innenhöfe führen, Innenräume mit nackten Wänden und Männer, die an rauen Tischen gebeugt sind. Die sieben Werke der Barmherzigkeit sind das ehrgeizigste aller seiner Straßenfotos., Es zeigt spürbar eine neapolitanische Straßenecke in der Nacht, mit einem Mann, der eine Fackel trägt, die den engen Weg hinter sich beleuchtet, und der Menge wohlwollender Menschen, die sich gegen Armut, Grausamkeit und Böses einsetzen. Ein alter Mann legt sein Gesicht auf das Metallgitter am Fenster im rechten Vordergrund. Eine junge Frau ist – kann sie das tun? Es ist das große Double-Take des Gemäldes. Mit perfektem Naturalismus lässt Caravaggio sie dem alten Mann ihre Brust zum Saugen geben.,

Die Szene stammt aus einer alten römischen Geschichte, in der die Tochter eines inhaftierten Mannes ihren Vater stillt-ein Beispiel für kindliche Frömmigkeit. Aber Caravaggio enthält keine Beweise dafür, dass Mann und Frau verwandt sind. Ihre Großzügigkeit scheint im Grunde und verzweifelt menschlich.

Das gilt auch für den Mann neben ihr, der eine Leiche trägt, die begraben werden soll. Sie können nur die blassen Füße der Leiche bei Fackelschein sehen, die unter einem Leichentuch hervorstoßen. In Zeiten der Pest im alten Europa oder nach Schlachten könnten Leichen unbegrabt liegen., Der Geschichtenerzähler Boccaccio aus der Frührenaissance beschrieb die Schrecken des Schwarzen Todes in Italien; Die Menschen besuchten oder halfen den Kranken nicht, sie vermieden und verrieten sogar ihre eigenen Frauen oder Ehemänner. Gemeinschaft gescheitert; das Kollektiv zerfiel. Im folkloristischen Tanz des Todes stehen der reiche Mann, der arme Mann und der König ganz allein vor dem Tod. In Caravaggios Gemälde sind wir nicht allein, wenn wir Mitgefühl füreinander haben; Misericordia.

Das Geheimnis ist, nicht alle Menschen in diesem Gemälde sehen aus wie barmherzige Typen., Die Frau, die den Gefangenen stillt, sicher; der Mann in den Gewändern des Priesters; sogar der Arbeiter, der den Körper trägt. Aber wer sind die gut gekleideten und bewaffneten Männer, die sich wie außerhalb eines Gasthauses versammeln? Sie tragen die gefiederten Hüte und Lederhandschuhe der Kavaliere; es ist etwas sehr hart an ihnen. Doch sie führen auch Taten der Güte aus. Am dramatischsten zieht man sein Schwert – nicht um den Bettler zu töten, der sich nackt zu seinen Füßen ausbreitet, sondern um seinem Mann, den er Bruder nennt, seinen eigenen Umhang in zweieinhalb Hälften zu schneiden.,

Auch hier ist es ein uraltes Emblem der Nächstenliebe, den eigenen Umhang zu halbieren und mit einem Bettler zu teilen. Es war folkloristisch und universell in Europa und immer noch aktuell in St. Petersburg im Jahr 1866, als ein vermeintlich fortschrittlicher Charakter in Dostojewskis Verbrechen und Bestrafung seine Herzlosigkeit offenbart, indem er die Torheit anprangert, den eigenen Umhang aufzuschneiden. Es ist ein Bild der Nächstenliebe-doch auf dem Gemälde sieht man den Blitz einer Schwertklinge in der Nacht, schlanker Stahl glitzert wie der Mond. Dies ist ein persönliches Geständnis, ein Hinweis auf die Seele eines Mannes.,

Die sieben Werke der Barmherzigkeit wurde als Buße gemalt, als Michelangelo Merisi da Caravaggio versuchte, seine Rettung auf der Straße zu verdienen.

Der Hinweis ist das Schwert, das in der Nacht blinkt. Dieses Schwert tut gut; Es schneidet einen Umhang in zwei Hälften, um die Armen zu kleiden. Aber nur Monate bevor er mit diesem Gemälde begann, nutzte Caravaggio ein Schwert, um es weniger großzügig zu verwenden.Mai 1606 wurde in Rom ein junger Mann, Ranuccio Tomassoni, nach einem langen Schwertkampf getötet, der anscheinend durch eine Reihe von Tennisspielen provoziert wurde., Er und sein Mörder waren beide die Art von Männern, die Waffen gewöhnlich trugen und nach Ärger suchten. Tomassoni fand seine in dieser Nacht in den Händen des besseren Schwertkämpfers, des Malers Michelangelo Merisi da Caravaggio.

Diese klingen. Caravaggio besaß zwei Schwerter in seinem Haus in Rom. In seinen Gemälden erscheinen Schwerter häufig und stolz. Seine Liebe zu tödlichen Waffen ist am schockierendsten in seinem Gemälde der heiligen Katharina von Alexandria (klicken Sie hier, um das Werk zu sehen), das sich jetzt in der Thyssen-Sammlung in Madrid befindet. Dies ist ein seltsamer Heiliger., Sie trägt ein teures, prächtiges schwarzes Kleid und schaut lässig seitlich aus dem Bild. Ihre linke Hand hält sanft und mit sinnlichem Vergnügen den Griff des langen, dünnen Rapiers, der eines der Instrumente ihres Martyriums sein wird. Ihr rechter Zeigefinger berührt seine glänzende Klinge. Der Stahl, der den stygianischen Vordergrund schneidet, ist in nassem, dunkelrotem Blut getränkt.

In der Kirche San Luigi dei Francesi in Rom sieht man ein Zimmer in einer Stadt – es soll ein Finanzamt sein, aber Caravaggio macht es eher wie das Hinterzimmer eines Gasthauses., Ein paar Männer hängen aus, Zählen Geld an einem Tisch, unter einem einzigen schmutzigen Fenster. Einer von ihnen sitzt uns gegenüber und trägt ein fantastisches schwarz-weißes Outfit, mit einem riesigen Seidenärmel, der das Licht fängt, und an seiner linken Hüfte, die im Schatten unter seinem Stuhl schwingt, ist das unverzichtbare Accessoire – ein langes, dünnes Schwert. Dies wurde von einem Mann gemalt, der es offensichtlich selbst liebte, ein Schwert lässig an seiner Seite zu haben.

Im Frühjahr 1606 erwies sich Caravaggio in seinem 35., Er wurde im Kampf verwundet und versteckte sich. Tomassoni war ein Niemand aus einer Familie von somebodies. Caravaggio musste aus Rom fliehen, einem Verbrecher, mit einem Todesurteil auf dem Kopf. Im Herbst war er in Neapel und malte bereits die sieben Werke der Barmherzigkeit, die er Anfang Januar 1607 fertigstellte.

Caravaggios Leben, nachdem er ein Mörder wurde, war ein tragisches Abenteuer. Von Neapel ging er nach Malta, von dort nach Sizilien. Überall, wo er hinging, malte er Meisterwerke. Dies sind die Gemälde, die wir in die Räume des Capodimonte-Museums in Neapel drängen, um sie zu sehen., Caravaggio: L ‚ Ultimo Tempo 1606-10 ist eine düstere und schöne Ausstellung; es eröffnet in London, in der National Gallery, in diesem Monat als Caravaggio: Die letzten Jahre. Sogar einige seiner großen Altarbilder geschoren – Die sieben Werke der Barmherzigkeit dürfen Italien nicht verlassen-wird dies die wichtigste Ausstellung des Jahres sein. Aber es ist nicht genug für mich.

In meinem Kopf befindet sich eine weitere Ausstellung, von der ich vor einiger Zeit zu träumen begann. Was wäre, wenn Sie alle Gemälde von Caravaggio sehen würden?, Wären sie immer noch so ungeheuer lebendig, wie wenn man in einer Ecke eines Museums oder im Schatten einer Kirche auf einen von selbst stößt? Ich machte mich auf den Weg, alle staubigen Museen, alle dunklen Kirchen zu besuchen und alle 50 oder so sicher zugeschriebenen Werke von ihm zu sehen, eine Figur, die nie ganz endgültig sein kann, weil zahlreiche umstrittene Kandidaten die Zulassung zum Korpus beantragen, von Hamfisted Pastiches bis zum ziemlich plausiblen David und Goliath des Prado (klicken Sie hier, um das Werk zu sehen). Ich habe auch viele davon gesehen., Die Abenteuer und Wechselfälle und das Überleben seiner Bilder sind selbst erstaunlich – von den vielen Bildern, die ihren ursprünglichen Standort nie verlassen haben, bis zum Verrat an Christus (klicken Sie hier, um das Werk zu sehen), der verloren geglaubte Gedanke, bis er 1990 von einem Kurator der National Gallery of Ireland in einem Jesuitenhaus in Dublin bemerkt wurde. Indem ich den kompletten Caravaggio geistig sammelte, machte ich mich daran, das Geheimnis seiner Kunst zu entdecken.

Ich bin kaum allein in meiner Vorliebe für diesen Maler. Kurz nach seinem Tod 1610 wurde er bereits als Populist beschimpft., Er erfand seinen naturalistischen Stil, implizierte einen bitteren Rivalen, um bemerkt zu werden. Es funktioniert immer noch. Caravaggio, geboren 1571 und tot, bevor er 40 Jahre alt war, ein Mörder und – wie aus seinen Gemälden hervorgeht – offen homosexuell in einer Zeit, in der man für das teuflische Verbrechen der „Sodomie“ lebendig verbrannt werden konnte, gemalt mit einem beispiellosen Realismus. Er lehnte sowohl die glatte, allumfassende Beleuchtung als auch das klassische Gleichgewicht von Raffael und den verzerrten Manierismus von Michelangelo und seinen Anhängern ab, dh die dominierenden Traditionen der italienischen Malerei in der Spätrenaissance., Stattdessen malte er Szenen aus dem heidnischen Mythos und dem christlichen Glauben, als würden sie hier, jetzt, auf der Straße oder in seinem schmuddeligen Zimmer geschehen.

Die Schauspieler in seinen Bildern sind als tatsächliche Menschen erkennbar – oft kann man demselben Modell von einer Leinwand zur anderen folgen und sich jetzt als Amor ausgeben, jetzt als Heiliger Johannes. Sie sind auch keine wohlhabenden Menschen. Sie sind der Abschaum der Stadt-Prostituierte, Mietjungen, Bettler., Caravaggios marginale Existenz spiegelt sich voll und ganz in seiner Kunst wider, deren Drama durch seinen extremen optischen Stil, alle Helligkeit und Schwärze, als eine einzige Quelle – Licht, das durch ein Fenster kommt oder in eine enge Straße filtert – tiefen und bedrohlichen Schatten wirft.

Das war der Caravaggio, den ich zu kennen glaubte und den ich gekannt hatte, seit ich Bacchus zum ersten Mal sah (klicken Sie hier, um das Werk zu sehen), in den Uffizien in Florenz. Caravaggios Gemälde des Weingottes ist ein Porträt einer fleischigen Jugend mit rauen Wangen und erhöhten schwarzen Augenbrauen., Das flache, breite Glas, das er anbietet, enthält dunklen Wein, lila, einladend. Wirst du trinken? Und wohin wird das führen?

Caravaggio ist der heimtückischste Verführer. Die akut überzeugende Art, wie er Wein oder Obst malen kann – er war fast nebenbei der größte Stilllebenmaler, der jemals gelebt hat -, ist ein Trick, mit dem er Sie in seine gefährliche, gewalttätige Realität lockt. Doch ich sollte einen anderen, introspektiven und mitfühlenden Caravaggio entdecken.

Dies ist keine Biografie; zwei von denen, die veröffentlicht wurden in den späten 1990er Jahren. Peter Robb ‚ s M wurde weithin kritisiert, und sehr beliebt., Robb, ein australischer Journalist, der über die sizilianische Mafia geschrieben hat und zugibt, dass er Analogien zwischen der Welt von „M“ und der Korruption des modernen Italiens sieht (übrigens gibt es kein Geheimnis, das Robb über Caravaggios Namen impliziert – er wurde einfach nach der Stadt benannt, in der er geboren wurde, Caravaggio, in der Nähe von Mailand). Robb schlägt vor, dass“ M “ von einer Kabale seiner Feinde ermordet wurde, weil er die Ritter von Malta auf mysteriöse Weise beleidigte. Es gibt keine Beweise dafür, aber zumindest fängt er etwas von dem Nervenkitzel von Caravaggios Kunst ein.,

Der respektable Ansatz, der aktuelle Trends in der akademischen Forschung widerspiegelt und begeisterte Kritiken für Helen Langdons Biografie Caravaggio von 1998 gewann, ist nicht überzeugender. In den letzten Jahren gab es nach einem Jahrhundert der Wiederentdeckung eine Gegenreaktion, nicht so sehr gegen Caravaggio als gegen die populäre Wahrnehmung seiner Kunst. Die Gelehrten scheinen nun mehr oder weniger der perversen und kontraintuitiven Behauptung zuzustimmen, dass es erstens keine Beweise dafür gibt, dass Caravaggio homosexuell war, und zweitens ist er in erster Linie ein geistlicher katholischer Künstler., In Langdons Biographie kommen diese beiden konservativen Meinungen in dem zusammen, was sich manchmal wie ein Traktat liest, der von Opus Dei autorisiert wurde.

Ich erkenne diesen Caravaggio nicht, den sexuell und konfessionell heterosexuellen Altarjungen. In der Tat ist es eine Absurdität, das Produkt kunsthistorischer Forschung, die von Gönnern besessen ist und vergisst, die Bilder selbst zu betrachten.

Das ist alles, was ich mir vorgenommen habe: Schau dir die Bilder selbst an. Wenn dies ein Porträt des Mannes und sogar eine neue Theorie über seinen Tod ist, liegt das daran, dass seine Kunst letztendlich das Geständnis eines Mörders ist.,

Die Fakten, wie Sie bekannt sind, sind einfach genug. Caravaggio wurde erzogen und begann vielleicht seine Malerkarriere mit verlorenen Werken in Mailand, ging Anfang 20 nach Rom und lebte in Armut und Dunkelheit, bis Gemälde, die er über einen Händler auf der Piazza San Luigi dei Francesi verkaufte, das Auge eines Kardinals erregten del Monte, der den Maler einlud, in seinem Haushalt im nahe gelegenen Palazzo Madama zu leben. In den nächsten Jahren, in den 1590er und frühen 1600er Jahren, eroberte Caravaggio die Kunstwelt des Spätrenaissance-Roms im Sturm., Er zeichnete sich in einem mittelmäßigen Zeitalter als der einzige Künstler aus, der die Flamme des italienischen Genies wieder aufleben lassen konnte, die Anfang des 16.

In Rom wurde Caravaggio beauftragt, prestigeträchtige Altarbilder zu malen, obwohl manchmal die Ergebnisse abgelehnt wurden, und private Werke für die Paläste wohlhabender Kunstliebhaber. Aber selbst als er die Mächtigen beeindruckte, stimmte er mit den Elenden der Stadt überein. Er lebte schlecht, brutal., Ein Inventar seines Hauses auf dem Höhepunkt seines Ruhmes zeigt einen solchen Mangel an Besitz, dass er seine beträchtlichen Einnahmen für weniger dauerhafte Freuden ausgegeben haben muss. Vor allem kämpfte er gern. Er erscheint in Gerichtsakten als böser, träge Charakter, der Menschen auf der Piazza Navona bedroht und angreift und einen Kellner verprügelt, weil er nicht mochte, wie seine Artischocken gekocht wurden. Es scheint, dass sein Mord an Tomassoni der unvermeidliche Abschluss eines destruktiven Lebensstils war., Und dann, danach, kamen die Jahre der Flucht, die vorübergehenden Häuser, Mittelmeerreisen, Flucht und Inhaftierung und dummer, unnötiger und – manche sagen – mysteriöser Tod.

Es gibt nur eine wirklich zuverlässige Transkription von Caravaggios Worten und sie stammt aus einem römischen Hofarchiv. 1603 wurde er von Giovanni Baglione, einem rivalisierenden Maler, wegen Verleumdung verklagt. Caravaggio hatte gesagt, die Gemälde dieses Mannes seien nicht gut – und wiederholte seine völlig gerechte Kritik vor Gericht. In seiner Aussage sagte er: „Ich wurde neulich auf der Piazza Navona beschlagnahmt, ich weiß nicht warum. Ich bin Maler., Ich kenne fast alle Maler in Rom … aber nicht alle sind gute Männer. Mit einem guten Mann meine ich jemanden, der in seiner Kunst gut abschneiden kann, und mit einem guten Maler einen Mann, der gut malen und die Natur gut imitieren kann.“

die Natur Nachzuahmen gut: das ist es, was er sich zu tun, ist es, was er erreicht hat, war es das, was ihn bekannt machte und immer noch macht. Was ich auf meiner Reise zu sehen begann, war genau, wie viel Ehrlichkeit und Wahrheit in dieser scheinbaren Einfachheit enthalten ist.

Es begann mit Cupids schmutzigen Zehennägeln.

Früher gab es in Berlin vier Caravaggio-Gemälde, heute sind es zwei., Die anderen, sein Porträt von Heide und Qual im Garten, beide ehemals im Kaiser-Friedrich-Museum, verbrannten 1945 in der Nazi-Götterdämmerung zu Asche.

Zweifeln an Thomas (klicken Sie hier, um das Werk zu sehen), das im Rokoko-Wunderland des Palastes Sanssouci von Friedrich dem Großen hängt, entging mir; Die Galerie schließt im Winter, und selbst wenn ich gegen die Fenster drückte, konnte ich durch die schweren Jalousien nichts sehen. Mein eigentliches Objekt war jedenfalls weit weniger heilig.,Jahrhundert wurde einem englischen Touristen in Rom, Richard Symonds, gesagt, dass Caravaggios Amor (klicken Sie hier, um das Werk zu sehen) tatsächlich ein Porträt seines Assistenten oder Dieners Cecco del Caravaggio war, „der mit ihm lag“. Wenn es in dieser Anekdote, die 40 Jahre nach Caravaggios Tod aufgezeichnet wurde, eine Wahrheit gibt, ist das Gesicht, das mich in der fast verlassenen Gemäldegalerie in Berlin anstarrt, das seines Geliebten.

Es ist wirklich ein schmutziges Grinsen., Seine Wangen rot und seine Augen verengt, sein Kopf zur Seite gespannt, Amor knittert den Mund in einer Weise, die fast grausam ist – es ist hart; es ist unbeeindruckt von Ihnen, der Betrachter. Er steht nackt, sein linkes Bein gebeugt und ruht auf einem zerknitterten Laken, das vom Bett spricht; Er trägt riesige schwarze Flügel, Adlerflügel (Jupiter nahm die Form eines Adlers an, um den Jungen Ganymed abzutragen) und zeigt zwischen leuchtenden Oberschenkeln seinen Penis. In seiner Hand sind Pfeile und zu seinen Füßen die Embleme von Kunst, Lernen und Tugenden: Instrumente, Musik, Trennwände, Rüstung.,

Wenn es eine perfekte Demonstration der Art und Weise Caravaggio verwendet Licht und Schatten, es ist dieses Bild. Licht in Caravaggio kommt immer mit und erschafft sein Gegenteil, Dunkelheit, so wie Gott Satan erschafft. Es ist ein Hauch von Satan hier. Das Licht, das Amor erhellt, erhöht die Dunkelheit, die ihn umgibt; Das Weiß seines Fleisches verstärkt die Schwärze – und Sterblichkeit – seiner Flügel. Caravaggio malte immer Flügel in dieser Farbe, sogar die Flügel von Engeln., Wenn Sie sich dieses Gemälde weiterhin ansehen, während die Wachen neugierig auf Sie werden und ein paar preußische Jugendliche kichern, bemerken Sie, dass sein Oberkörper zu weiß ist. Verglichen mit der gelben und orangefarbenen Lebendigkeit seines ungezogenen Gesichts ist es das Weiß des Grabes. Unblutig und kalt ist sein Körper tot, während sein Gesicht so heiß lebt.,

Dieser kalte Torso ist die Farbe und Textur von Marmor und ist eine Parodie auf eine berühmte Skulptur von Michelangelo eines Jugendlichen, der einen älteren Mann darstellt, geschnitzt für das unvollendete Grab von Papst Julius II. und bekannt als Sieg nachdem es im Palazzo Vecchio in Florenz als Symbol des militärischen Triumphs der Medici installiert wurde. Caravaggios Amor hat sein linkes Bein angehoben und gebogen, genau wie Michelangelos Marmorjugend. Sein Körper ist daher ein Bild der Kunst, wie die über ihn verstreuten Embleme – und wie sie ist es tot., Sterile Kunst wird nur ins Leben entfacht, scherzt Caravaggio, durch was auch immer es ist, das das Gesicht seines Amors rötet und belebt – dieses Unrecht, dieses Verlangen. Und alles wird von ihm zerquetscht, in seiner Raserei vergessen. Musik und Skulptur, männliche Rüstung – alle sind beiseite gelegt. Caravaggios Amor steht krass siegreich über das, was Lincoln die besseren Engel unserer Natur nannte.,

Dies scheint die offensichtliche Interpretation seines schockierendsten Bildes zu sein – aber Gelehrte argumentieren, dass eine solche Ansicht romantisch ist und dass Cupid tatsächlich eine Hommage an den Mann ist, der sie in Auftrag gegeben hat, einen reichen römischen Patrizier namens Vincenzo Giustiniani; Die Objekte sind daher keine Vanitas-Symbole, sondern Embleme von Giustinianis vielen und lobenswerten Interessen., Wenn dies der Fall wäre, wäre Cupid ein sehr ungeschicktes Gemälde, denn seine Ikonographie ist die von Melancholie, Tod und Zerstörung und insbesondere von Albrecht Dürers berühmter Renaissance-Gravur Melancholie I, die es von der unordentlichen Art und Weise widerhallt Die Instrumente, Werkzeuge und Papiere sind verstreut, zu den Trennwänden, zu den Flügeln der zentralen Figur. Jahrhundert porträtierte Parmigianino Amor, der Bücher unter den Füßen zerquetschte, und warf ihn in die zerstörerische Rolle, die Dürer der Melancholie als Feind von Ehrgeiz, Vernunft und Selbstherrschaft gab. Caravaggio wiederholt Parmigianinos Bild., Der Unterschied ist, dass in Caravaggio die Bedrohung real ist.

Wie real, sah ich erst, als mein Auge zum rechten Fuß des Amors driftete. Seine Zehennägel sind schmutzig. An der Unterseite seines geformten, michelangelesken Beins befindet sich ein Fuß, der in stämmigen Zehen endet, die durch den Druck der Pose gerötet sind, mit abgenutzten, gebrochenen, braunen Nägeln. Diese Nägel stellen plötzlich fest, was wirklich in dem Gemälde passiert. Caravaggio malt diesen Jungen, der die Pose beibehält, auch wenn sein Gesicht vor Lachen über die Absurdität von allem knittert., Seine Zehen sind rot mit der Anstrengung, vorzutäuschen, ein Michelangelo zu sein, seine schmutzigen Nägel verraten, woher er kommt – die Straße.

Fangen Sie an zu schauen – wie ich – und Sie werden überall in Caravaggios Gemälden Grottenfüße sehen, die schäbigen Sohlen von Menschen, die ihre Tage und Nächte barfuß verbringen, durch staubige Straßen der Stadt rennen oder hinken, Obst verkaufen oder ihre Körper, Almosen betteln., Sie sehen sie in seiner Madonna des Rosenkranzes (klicken Sie hier, um das Werk zu sehen) in Wien, in der die schmutzigen, zerschlagenen Füße der Armen uns gegenüberstehen, während ihre bescheidenen Besitzer knien und ihre Hände flehend zu schwarzen Rosenkranzperlen erheben, die von der Kirche angeboten werden.

Das Kunsthistorische Museum, das in den letzten Jahren des Habsburger Reiches in Wien erbaut wurde, hat über seiner Treppe unter anderem Fresken von Gustav Klimt und eine Decke, die die Apotheose der Renaissance darstellt., In der Galerie, in der Caravaggios Madonna hängt, zeigen drei Marmorbüsten über den palastartigen Türen Giganten der europäischen Kunst. Ein Besucher fragt den Begleiter, wer die dritte Skulptur darstellt – er erkennt Michelangelo und Leonardo, sagt er, aber wer ist der andere? Die Wache sagt, sie hält es für Caravaggio – eine vernünftige Spekulation, da er für uns der Peer der beiden florentiner Genies ist. Aber es kann nicht er sein – es ist Velazquez -, denn als dieses Museum im 19.Jahrhundert gebaut wurde, war Caravaggio ein Niemand, seine Gemälde wurden von den Sammlungen, in denen sie gelandet waren, nicht zerstört., Als die Wiener Kunstliebhaber Sigmund Freud und der junge Ernst Gombrich dieses Museum besuchten, kamen sie, um Correggio und Tintoretto und vor allem Raffaels Madonna der Wiese zu betrachten. Caravaggio war nicht auf der Reiseroute.

In seinem Leben und 50 Jahre danach waren die Dinge für ihn besser gewesen. Die Madonna des Rosenkranzes wanderte über das von Habsburg regierte Antwerpen von Rom nach Wien aus, für deren Dominikanerkirche sie Anfang des 17.Jahrhunderts von einer Gruppe flämischer Künstler unter der Leitung von Pieter Paul Rubens als Beispiel für den Stil dieses Mannes gekauft wurde, den sie als Malermaler betrachteten., Caravaggio beeinflusste den Verlauf der europäischen Kunst entscheidend: Rubens nahm seine Botschaft an alle Gerichte, an denen er arbeitete; die Utrechter Maler Gerrit van Honthorst und Hendrick ter Brugghen sahen seine Arbeit in Italien und brachten den Stil nach Hause in die Niederlande, wo er Vermeer und Rembrandt inspirierte; seine Low-Life-Szenen wurden vom jungen Velazquez in Spanien nachgeahmt, und sogar der französische Klassizist Poussin lernte etwas über Schatten von ihm., In Italien wurde er von Guercino und Guido Reni und am brillantesten von Bernini in der Ekstase der Heiligen Teresa, deren Quelle die zwielichtige Mischung aus Sex und Religion ist, von dem deutlich karavaggistischen Engel verraten, der den Heiligen so sinnlich mit einem Speer durchbohrt. Der Caravaggismus erreichte sogar Großbritannien, wo sein Nachfolger Orazio Gentileschi für Karl I. arbeitete – so dass ein Selbstporträt von Orazios heute bekannterer Tochter und Kollegin Caravaggista, Artemisia, in der königlichen Sammlung verbleibt. Jahrhundert, wurde dieser Stern vergessen, verachtet., Neoklassiker stimmten Poussin zu, der mit Entsetzen über Caravaggios Grundrealismus sagte: Dieser Mann machte sich daran, Kunst zu zerstören.

Die Rosenkranz-Madonna war der zweite Caravaggio, den Rubens nach Nordeuropa transportierte; der andere ist der Tod der Jungfrau Maria (klicken Sie hier, um das Werk zu sehen), der in der Großen Galerie des Louvre hängt und Sie auf Ihren Spuren hält, während Sie an allen Raphaeln im größten Korridor italienischer Kunst außerhalb Italiens vorbeilaufen., Als sein Schöpfer noch in den 1600er Jahren lebte, überredete Rubens, damals ein junger Künstler, der seinen Beruf in Italien erlernte, den Herzog von Mantua, den Tod der Jungfrau zu kaufen. Ein paar Jahrzehnte später kaufte Charles I. die Mantuan-Sammlung, und Caravaggios Gemälde kam nach London. Nachdem Charles 1649 hingerichtet wurde, wurde es wie andere Werke in Karls Sammlung verkauft; Louis XIV kaufte es, und heute ist es in Paris.

Der Grund, warum diese beiden Kirchenaltarbilder von Rubens erhalten werden konnten, ist, dass beide von den römischen religiösen Gremien abgelehnt wurden, die sie in Auftrag gegeben hatten., Caravaggio malte, wie seine frommeren Fans nicht aufhören können, darauf zu bestehen, Altarbilder für einige der heiligsten Räume Italiens, einschließlich des Petersdoms. Aber er hatte auch eine sehr hohe Ausfallrate, wobei ein großes Gemälde nach dem anderen als des Hauses Christi unwürdig abgelehnt wurde. Die Arbeit, die er für St. Peter, die Madonna dei Palafrenieri (klicken Sie hier, um die Arbeit zu sehen), nur hing dort für ein paar Tage, bevor es entfernt wurde. Heute ist es in der Borghese Galerie. Caravaggio macht Maria zu einer sehr sterblichen Mutter und hilft ihrem Sohn, eine Schlange unter den Füßen zu zerquetschen. Auch ihre Zehen sind kaum realistisch.,

Die Madonna des Rosenkranzes in Wien ist ein Hinweis auf Caravaggios Beziehung zum Katholizismus seiner Zeit. In seiner gegenwärtigen Popularität ignoriert, wurde es aus der Ausstellung in Neapel und London ausgeschlossen, obwohl es zur gleichen Zeit wie die sieben Werke der Barmherzigkeit in 1606-7 gemalt wurde. Nach jedermanns Maßstäben ist es fehlerhaft.,

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