Caravaggio: ‘Ha vissuto male, brutalmente’

A piedi dalla stazione, arrivo attraverso la stretta Via medievale dei Tribunali, terrorizzato da camion e ciclomotori, passato bancarelle cariche di cibo più economico e migliore in Italia. Gli edifici nel cuore antico di Napoli sono anneriti, vicini, minacciosi. “Infamia”, dice un poster su una chiesa barocca. Dallo scorso ottobre, 40 persone sono state uccise in una guerra tra le bande di camorra della città.,

Da questa strada tumultuosa un gateway si apre su un cortile del 17 ° secolo, dove i medici in camice bianco stanno scherzando. In una sala d’attesa, i bambini si siedono pazientemente. I dottori qui assistono la stessa carità ai poveri di Napoli che è stata dispensata da questa istituzione cattolica, Pio Monte della Misericordia – Santo Monte della Misericordia – fin dal xvi secolo. Trovo una scala e la seguo verso l’alto, trasformandosi in un corridoio grigio. Non sembra che Il Caravaggio sia da questa parte.

Questa è una città che ha sempre vissuto di preghiera., Un monumento fantastico, una sorta di guglia a cascata con cherubini e fioriture sinuose, sorge proprio di fronte alla strada, a commemorare la salvezza di Napoli da un’eruzione del Vesuvio per il miracoloso intervento di San Gennaro nel 1631. Suppongo che se vivete sotto il vulcano più pericoloso d’Europa dovete credere nei miracoli. Negozi a Napoli vendono piccoli tableaux dipinti che mostrano Cristo che redime i peccatori dalle fiamme rosse dell’inferno stesso.

Entrando nella chiesa accanto, raggiungo finalmente la posizione della pala che Caravaggio dipinse per il Sacro Monte della Misericordia nel 1606-7., E … la tela è andata. Una tenda rosa copre l’enorme spazio vuoto. Le Sette Opere di Misericordia (clicca qui per vedere l’opera) risultano essere state portate su per la collina per essere protagoniste della mostra al Museo di Capodimonte. Così salgo a questo palazzo su una collina che domina il Golfo d’argento di Napoli con il suo scabroso sprawl urbano. “Carav-a-a-a-a-ggio”, entusiasmano i napoletani della classe media e gli ambulanti romani che fanno la fila sotto i colonnati grigi di tufo. All’interno, il dipinto – quasi 4m-alto – è ben illuminato, e si può stare vicino a una tela che normalmente pende dietro un altare nella sacra oscurità., È un’opera sconcertante; un dipinto per Napoli se mai ce n’è stato uno, una visione di misericordia e carità operata, non in una Terra Santa immaginata, ma nelle strade.

Caravaggio amava dipingere le strade – le strade reali, polverose e buie di Roma e Napoli all’inizio del 17 ° secolo. Porte oscure con architravi usurati, finestre quadrate coperte da griglie di ferro, cancelli che conducono in cortili oscuri, stanze interne con pareti nude e uomini inginocchiati a tavoli grezzi. Le Sette Opere di Misericordia è il più ambizioso di tutti i suoi quadri di strada., Ritrae palpabilmente un angolo di strada napoletano di notte, con un uomo che porta una torcia che illumina la stretta via dietro di lui e la folla di persone benevoli che si schierano contro la povertà, la crudeltà e il male. Un vecchio mette il suo volto alla griglia metallica sulla finestra in primo piano a destra. Una giovane donna e ‘can puo’ farlo? È la grande doppia ripresa del dipinto. Con perfetto naturalismo, Caravaggio le fa dare il seno al vecchio per allattare.,

La scena proviene da un’antica storia romana in cui la figlia di un uomo imprigionato allattava il padre-un esempio di pietà filiale. Ma Caravaggio non include alcuna prova che l’uomo e la donna sono legati. La sua generosità sembra più fondamentalmente e disperatamente umana.

Così fa quello dell’uomo accanto a lei che sta portando un cadavere da seppellire. Puoi solo vedere i piedi pallidi del cadavere alla luce delle fiaccole, spuntando da sotto un sudario. In tempi di peste nella vecchia Europa, o dopo le battaglie, i corpi potrebbero giacere insepolti., Il cantastorie del primo Rinascimento Boccaccio descrisse gli orrori della peste nera in Italia; la gente non visitava o aiutava i malati, evitava e tradiva persino le proprie mogli o mariti. La comunità fallì; il collettivo si disintegrò. Nella Danza folcloristica della Morte, il ricco, il povero e il re stanno tutti da soli davanti alla Morte. Nella pittura di Caravaggio non siamo soli, se abbiamo compassione gli uni per gli altri; Misericordia.

Il mistero è che non tutte le persone in questo dipinto sembrano tipi misericordiosi., La donna che allatta il prigioniero, certo; l’uomo con i paramenti sacerdotali; anche l’operaio che porta il corpo. Ma chi sono gli uomini ben vestiti e armati che si riuniscono come se fossero fuori da una locanda? Indossano i cappelli piumati e i guanti di pelle dei cavalieri; c’è qualcosa di molto duro in loro. Eppure compiono anche atti di benignità. Più drammaticamente, si estrae la spada-non per uccidere il mendicante che si estende nudo ai suoi piedi, ma per tagliare il proprio mantello in due e presentare la metà a questo uomo che chiama fratello.,

Ancora una volta, è un antico emblema della carità, tagliare il proprio mantello a metà e condividerlo con un mendicante. Era folcloristico e universale in Europa, e ancora attuale a San Pietroburgo nel 1866, quando un presunto personaggio progressista in Delitto e castigo di Dostoevskij rivela la sua insensatezza denunciando la follia di tagliarsi il mantello. Si tratta di un’immagine di carità – eppure nel dipinto ciò che si vede è il lampo di una lama di spada nella notte, acciaio sottile scintillante come la luna. Questa è una confessione personale, un indizio per l’anima di un uomo.,

Le Sette Opere di Misericordia furono dipinte come penitenza, mentre Michelangelo Merisi da Caravaggio cercava di guadagnarsi la salvezza per strada.

L’indizio è la spada che lampeggia nella notte. Questa spada fa del bene; taglia un mantello a metà per vestire i poveri. Ma solo pochi mesi prima di iniziare questo dipinto, Caravaggio mise una spada ad uso meno generoso.

Il 26 maggio 1606, a Roma, un giovane, Ranuccio Tomassoni, fu ucciso dopo una lunga lotta con la spada provocata, pare, da una lite per una partita di tennis., Lui e il suo assassino erano entrambi il tipo di uomini che portavano armi abitualmente, in cerca di guai. Tomassoni trovò la sua quella notte per mano del migliore spadaccino, il pittore Michelangelo Merisi da Caravaggio.

Quelle lame. Caravaggio possedeva due spade nella sua casa di Roma. Nei suoi dipinti, le spade appaiono frequentemente e orgogliosamente. Il suo amore per le armi letali è al massimo scioccante nel suo dipinto di Santa Caterina d’Alessandria (clicca qui per vedere l’opera), che è ora nella collezione Thyssen di Madrid. Questo è un santo strano., Indossa un costoso, magnifico abito nero e guarda casualmente lateralmente fuori dal quadro. La sua mano sinistra tiene, dolcemente e con sensuale piacere, il manico della lunga e sottile pinza che sarà uno degli strumenti del suo martirio. Il suo indice destro tocca la sua lama lucente. L’acciaio che taglia il primo piano di stygian è imbevuto di sangue rosso scuro bagnato.

Nella chiesa di San Luigi dei Francesi a Roma, vedi una stanza in una città – dovrebbe essere un ufficio delle imposte, ma Caravaggio lo rende più simile alla stanza sul retro di una locanda., Un gruppo di uomini sono appesi fuori, contando i soldi a un tavolo, sotto una singola finestra sporca. Uno di loro si siede di fronte lontano da noi, indossando un fantastico abito bianco e nero, con un enorme manicotto di seta cattura la luce, e al fianco sinistro, oscillante in ombra sotto la sedia, è l’accessorio indispensabile – una lunga, sottile spada. Questo è stato dipinto da un uomo che evidentemente amava avere una spada lanciata casualmente al suo fianco in quel modo.

Nella primavera del 1606, nel suo 35 ° anno, Caravaggio si dimostrò un abile spadaccino – e un assassino., Fu ferito nella lotta e si nascose. Tomassoni era un nessuno di una famiglia di somebodies. Caravaggio dovette fuggire da Roma, un fuorilegge, con una condanna a morte in testa. Entro l’autunno, era a Napoli, già dipingendo Le Sette Opere di Misericordia, che terminò all’inizio di gennaio 1607.

La vita di Caravaggio dopo essere diventato un assassino è stata una tragica avventura. Da Napoli andò a Malta, da lì in Sicilia. Ovunque andasse dipingeva capolavori. Questi sono i dipinti che stiamo affollando nelle stanze del Museo Capodimonte di Napoli per vedere., Caravaggio: L’Ultimo Tempo 1606-10 è una mostra cupa e bella; apre a Londra, alla National Gallery, questo mese come Caravaggio: The Final Years. Anche tosato di alcune delle sue grandi pale d’altare – Le Sette Opere di Misericordia non è permesso di lasciare l’Italia – questa sarà la mostra più importante dell’anno. Ma non è abbastanza per me.

Nella mia testa c’è un’altra mostra, quella che ho iniziato a sognare qualche tempo fa. E se vedessi tutti i dipinti di Caravaggio?, Sarebbero ancora mostruosamente vividi come quando ti imbatti in uno da solo in qualche angolo di un museo o nell’ombra di una chiesa? Ho deciso di visitare tutti i musei polverosi, tutte le chiese oscure, e vedere tutte le circa 50 opere da lui attribuite in modo sicuro, una cifra che non può mai essere del tutto definitiva perché numerosi candidati contestati cercano l’ammissione al corpus, dai pastiche hamfisted al Davide e Golia piuttosto plausibili del Prado (clicca qui per vedere l’opera). Ne ho viste anche molte., Le avventure e le vicissitudini e la sopravvivenza dei suoi dipinti sono essi stessi sorprendenti-dalle molte immagini che non hanno mai lasciato la loro posizione originale, al tradimento di Cristo (clicca qui per vedere l’opera), pensato perduto fino a quando non è stato notato in una casa gesuita a Dublino nel 1990 da un curatore della National Gallery of Ireland. Raccogliendo mentalmente il Caravaggio completo, ho deciso di scoprire il segreto della sua arte.

Sono a malapena solo nella mia passione per questo pittore. Poco dopo la sua morte nel 1610, era già stato annusato come un populista., Ha inventato il suo stile naturalista, implicato un acerrimo rivale, per farsi notare. Funziona ancora. Caravaggio, nato nel 1571 e morto prima dei 40 anni, un assassino e-sembrerebbe dai suoi dipinti-apertamente omosessuale in un’epoca in cui si poteva essere arsi vivi per il diabolico delitto della “sodomia”, dipinto con un realismo senza precedenti. Ha respinto sia la luce liscia, all-over e l’equilibrio classico di Raffaello e il manierismo distorto di Michelangelo e dei suoi seguaci-respinto, cioè, le tradizioni dominanti della pittura italiana nel tardo Rinascimento., Invece, dipinse scene del mito pagano e della credenza cristiana come se accadessero qui, ora, per strada o nella sua squallida stanza.

Gli attori nei suoi dipinti sono riconoscibili come persone reali – spesso si può seguire lo stesso modello da una tela all’altra, in posa ora come Cupido, ora come San Giovanni. Non sono nemmeno persone benestanti. Sono la feccia della città: prostitute, ragazzi in affitto, mendicanti., L’esistenza marginale di Caravaggio si riflette pienamente nella sua arte, il suo dramma trasmesso dal suo stile ottico estremo, tutta la luminosità e l’oscurità, come un’unica fonte – la luce che entra da una finestra, o filtra in una strada stretta – getta un’ombra profonda e minacciosa.

Quello era il Caravaggio che pensavo di conoscere, e che avevo conosciuto fin da quando ho visto Bacco per la prima volta (clicca qui per vedere l’opera), nella Galleria degli Uffizi a Firenze. Il dipinto di Caravaggio del dio del vino è un ritratto di un giovane carnoso, con guance rugose e sopracciglia nere accentuate., Il bicchiere poco profondo e ampio che offre contiene vino scuro, viola, invitante. Vuoi bere? E dove porterà?

Caravaggio è il più insidioso dei tentatori. Il modo acutamente convincente in cui può dipingere vino, o frutta-era, quasi per inciso, il più grande pittore di nature morte che abbia mai vissuto – è un trucco che usa per attirarti nella sua realtà pericolosa e violenta. Eppure dovevo scoprire un altro, introspettivo e compassionevole, Caravaggio.

Questa non è una biografia; due di questi sono stati pubblicati alla fine del 1990. M di Peter Robb è stato ampiamente criticato, e molto popolare., Robb, un giornalista australiano che ha scritto sulla mafia siciliana e ammette di vedere analogie tra il mondo di “M” e la corruzione dell’Italia moderna (per inciso, non c’è nessuno dei misteri che Robb implica sul nome di Caravaggio – è stato semplicemente soprannominato dopo la città in cui è nato, Caravaggio, vicino a Milano). Robb suggerisce che ” M ” è stato ucciso da una cabala dei suoi nemici perché ha misteriosamente offeso i Cavalieri di Malta. Non ci sono prove per questo, ma almeno cattura un po ‘ del brivido dell’arte di Caravaggio.,

L’approccio rispettabile, che riflette le tendenze attuali della ricerca accademica, che ha vinto recensioni entusiastiche per la biografia di Helen Langdon del 1998, Caravaggio, non è più convincente. Negli ultimi anni c’è stato un contraccolpo, dopo un secolo di riscoperta, non tanto contro Caravaggio quanto contro la percezione popolare della sua arte. Gli studiosi ora sembrano più o meno d’accordo nell’affermazione perversa e controintuitiva che in primo luogo, non vi è alcuna prova che Caravaggio fosse omosessuale, e in secondo luogo, è principalmente un artista cattolico spirituale., Nella biografia di Langdon entrambe queste opinioni conservatrici confluiscono in ciò che si legge, a volte, come un trattato autorizzato dall’Opus Dei.

Non riconosco questo Caravaggio, il chierichetto sessualmente e confessionalmente etero. In realtà, è un’assurdità, frutto di una ricerca storico-artistica che ossessiona gli avventori e dimentica di guardare le immagini stesse.

Questo è tutto quello che ho deciso di fare: guarda le foto stesse. Se questo finisce per essere un ritratto dell’uomo, e anche una nuova teoria sulla sua morte, è perché la sua arte è, in definitiva, la confessione di un assassino.,

I fatti, come sono noti, sono abbastanza semplici. Educato e forse iniziando la sua carriera pittorica con opere perdute a Milano, Caravaggio si recò a Roma all’inizio degli anni ‘ 20 e visse in povertà e oscurità fino a quando i dipinti che vendette tramite un commerciante in piazza San Luigi dei Francesi attirarono l’attenzione di un cardinale del Monte, che invitò il pittore a vivere nella sua casa nel vicino Palazzo Madama. Negli anni successivi, tra il 1590 e l’inizio del 1600, Caravaggio prese d’assalto il mondo dell’arte della Roma tardo-rinascimentale., Si è distinto in un’età mediocre, come l’unico artista che è stato in grado di riaccendere la fiamma del genio italiano che all’inizio del 16 ° secolo aveva raggiunto tali vette nell’opera di Leonardo e Michelangelo.

A Roma, Caravaggio fu incaricato di dipingere prestigiose pale d’altare, anche se a volte i risultati furono respinti, e opere private per i palazzi di ricchi amanti dell’arte. Ma anche quando impressionò i potenti, si unì ai miserabili della città. Ha vissuto male, brutalmente., Un inventario della sua casa al culmine della sua fama mostra una tale scarsità di beni che deve aver speso i suoi guadagni sostanziali in piaceri meno permanenti. Soprattutto, gli piaceva combattere. Appare nei registri giudiziari come un personaggio cattivo e delinquente, minacciando e aggredendo la gente in Piazza Navona, picchiando un cameriere perché non gli piaceva il modo in cui i suoi carciofi erano cucinati. Sembra che il suo omicidio Tomassoni sia stata l’inevitabile conclusione di uno stile di vita distruttivo., E poi, dopo, sono arrivati gli anni della fuga, le case temporanee, i viaggi nel Mediterraneo, la fuga e la carcerazione e la morte stupida, inutile e – alcuni dicono – misteriosa.

Esiste una sola trascrizione veramente attendibile delle parole di Caravaggio e proviene da un archivio di corte romana. Nel 1603 fu citato in giudizio per calunnia da Giovanni Baglione, un pittore rivale. Caravaggio aveva detto che i dipinti di quest’uomo non erano buoni – e ripeté la sua critica del tutto giusta in tribunale. Nella sua deposizione, ha detto: “Sono stato sequestrato l’altro giorno in Piazza Navona, non so perché. Sono un pittore., Credo di conoscere quasi tutti i pittori di Roma … ma non tutti sono brave persone. Con un buon uomo intendo qualcuno che può eseguire bene nella sua arte, e da un buon pittore un uomo che può dipingere bene e imitare bene la natura.”

Imita bene la natura: questo è ciò che ha deciso di fare, è ciò che ha raggiunto, è stato ciò che lo ha reso popolare e lo fa ancora. Quello che ho iniziato a vedere, nel mio viaggio, era esattamente quanta onestà e verità siano contenute in quell’apparente semplicità.

È iniziato con le unghie dei piedi sporche di Cupido.

C’erano quattro dipinti caravaggeschi a Berlino; oggi ce ne sono due., Gli altri, il suo ritratto di Fillide e Agonia nel giardino, entrambi precedentemente nel Kaiser Friedrich Museum, bruciati in cenere nella Götterdämmerung nazista nel 1945.

Dubitare di Thomas (clicca qui per vedere l’opera), che pende nel paese delle meraviglie rococò del palazzo Sanssouci di Federico il Grande, mi è sfuggito; la galleria chiude in inverno, e anche spingendomi contro le finestre, non riuscivo a vedere nulla attraverso le pesanti persiane. Il mio vero oggetto, comunque, era molto meno sacro.,

Nel 17 ° secolo, un turista inglese a Roma, Richard Symonds, è stato detto che il Cupido di Caravaggio (clicca qui per vedere l’opera) era in realtà un ritratto del suo assistente o servo Cecco del Caravaggio, “che ha posato con lui”. Se c’è del vero in questo aneddoto, registrato 40 anni dopo la morte di Caravaggio, il volto che mi sorride nella Gemäldegalerie quasi deserta di Berlino è quello del suo amante.

È davvero un sorriso sporco., Le sue guance rosse e gli occhi socchiusi, la testa armata da un lato, Cupido piega la bocca in un modo che è quasi crudele-è dura; non è impressionato da te, chi guarda. È in piedi nudo, la gamba sinistra piegata e appoggiata su un lenzuolo sgualcito che parla di letto; indossa enormi ali nere, ali d’aquila (Giove prese la forma di un’aquila per portare via il ragazzo Ganimede), e mostra, tra le cosce lucenti, il suo pene. Nella sua mano ci sono le frecce e ai suoi piedi gli emblemi dell’arte, del sapere e della virtù: strumenti, musica, divisori, armature.,

Se c’è una dimostrazione perfetta del modo in cui Caravaggio usa la luce e l’ombra, è questa immagine. La luce in Caravaggio viene sempre con, e crea, il suo opposto, le tenebre, proprio come Dio crea Satana. C’è un soffio di Satana qui. La luce che illumina Cupido accresce l’oscurità che lo circonda; il candore della sua carne intensifica l’oscurità – e la morte – delle sue ali. Caravaggio ha sempre dipinto le ali di questo colore, anche le ali degli angeli., Mentre continui a guardare questo dipinto, mentre le guardie si incuriosiscono su di te e un gruppo di giovani prussiani ridacchia, noti che il suo busto è troppo bianco. Rispetto alla vivacità gialla e arancione del suo viso cattivo, è il bianco della tomba. Senza sangue e freddo, il suo corpo è morto mentre il suo volto è così vivacemente vivo.,

Questo torso freddo è il colore e la consistenza del marmo, ed è una parodia di una famosa scultura di Michelangelo di un giovane bestriding un uomo più anziano, scolpito per la tomba incompiuta di Papa Giulio II e noto come Vittoria dopo che è stato installato in Palazzo Vecchio di Firenze come simbolo del trionfo militare Medici. Il Cupido di Caravaggio ha la gamba sinistra sollevata e piegata proprio come la giovinezza marmorea di Michelangelo. Il suo corpo è quindi un’immagine dell’arte, come gli emblemi sparsi su di lui – e come loro è morto., L’arte sterile è solo accesa nella vita, scherza Caravaggio, da qualunque cosa sia che arrossisce e anima il volto del suo Cupido – quell’ingiustizia, quel desiderio. E tutto è schiacciato da esso, dimenticato nella sua frenesia. Musica e scultura, armatura virile-tutti sono messi da parte. Cupido di Caravaggio si erge crassly vittorioso su ciò che Lincoln chiamato i migliori angeli della nostra natura.,

Questo sembra l’ovvia interpretazione dei suoi più scioccante immagine – ma gli studiosi sostengono che tale visione è romantico e che, in realtà, Cupido è un tributo all’uomo che l’ha commissionata, un ricco patrizio Romano chiamato Vincenzo Giustiniani; gli oggetti non sono, quindi, vanitas simboli, emblemi Giustiniani molte e lodevoli interessi., Se così fosse, Cupido sarebbe un dipinto molto goffo perché la sua iconografia è quella della malinconia, della morte e della distruzione, e in particolare della famosa incisione rinascimentale di Albrecht Dürer Melancholia I, che riecheggia dal modo disordinato in cui gli strumenti, gli strumenti e le carte sono sparsi, ai divisori, alle ali della figura centrale. All’inizio del xvi secolo, Parmigianino ritrasse Cupido che schiacciava i libri sotto i piedi, gettandolo nel ruolo distruttivo che Dürer dava alla Malinconia, come nemico dell’ambizione, della ragione e dell’autogoverno. Caravaggio ripete l’immagine del Parmigianino., La differenza è che in Caravaggio la minaccia è reale.

Come reale, ho visto solo quando il mio occhio alla deriva al piede destro di Cupido. Le unghie dei piedi sono sporche. In fondo alla sua gamba scolpita, michelangelesca, c’è un piede che termina in tozze dita dei piedi, arrossate dalla pressione della posa, con unghie consumate, rotte, marroni. Quei chiodi improvvisamente stabilire ciò che sta realmente accadendo nel dipinto. Caravaggio sta dipingendo questo ragazzo, che mantiene la posa anche se il suo volto si piega ridendo per l’assurdità di tutto., Le sue dita dei piedi sono rosse con la tensione di fingere di essere un Michelangelo, le sue unghie sporche tradiscono da dove viene – la strada.

Inizia a guardare – come ho fatto io – e vedrai piedi grotteschi ovunque nei dipinti di Caravaggio, le suole scadenti di persone che passano le loro giornate e notti scalze, correndo o zoppicando per le strade polverose della città, vendendo frutta o i loro corpi, chiedendo l’elemosina., Li vedi nella sua Madonna del Rosario (clicca qui per vedere l’opera) a Vienna, in cui i piedi sporchi e malconci dei poveri ci affrontano mentre i loro umili possessori si inginocchiano e alzano le mani imploranti verso i rosari neri offerti dalla chiesa.

Il Kunsthistorisches Museum, costruito a Vienna negli ultimi anni dell’impero asburgico, ha affreschi sopra la sua scalinata, tra gli altri, di Gustav Klimt, e un soffitto che raffigura l’apoteosi del Rinascimento., Nella galleria dove pende la Madonna di Caravaggio, tre busti marmorei sopra le porte sontuose ritraggono giganti dell’arte europea. Un visitatore chiede all’addetto chi rappresenta la terza scultura – riconosce Michelangelo e Leonardo, dice, ma chi è l’altro? La guardia dice che pensa che sia Caravaggio-una ragionevole speculazione in quanto è, per noi, il pari dei due geni fiorentini. Ma non può essere lui – è Velazquez-perché, quando questo museo è stato costruito nel 19 ° secolo, Caravaggio era un nessuno, i suoi dipinti non sono stati scoperti dalle collezioni in cui erano finiti., Quando gli amanti dell’arte viennese Sigmund Freud e il giovane Ernst Gombrich visitarono questo museo, vennero a vedere Correggio e Tintoretto, e soprattutto la Madonna del Prato di Raffaello. Caravaggio non era sull’itinerario.

Nella sua vita e per 50 anni dopo, le cose erano andate meglio per lui. La Madonna del Rosario migrò da Roma a Vienna attraverso Anversa governata dagli Asburgo, per la cui chiesa domenicana fu acquistata all’inizio del xvii secolo da un gruppo di artisti fiamminghi guidati da Pieter Paul Rubens come esempio dello stile di quest’uomo che consideravano un pittore., Caravaggio influenzò decisamente il corso dell’arte europea: Rubens portò il suo messaggio a tutte le corti dove lavorò; i pittori di Utrecht Gerrit van Honthorst e Hendrick ter Brugghen videro il suo lavoro in Italia e portarono lo stile nei Paesi Bassi dove ispirò Vermeer e Rembrandt; le sue scene di vita bassa furono imitate dal giovane Velazquez in Spagna, e persino il classicista francese Poussin imparò qualcosa sulle ombre da lui., In Italia fu pasticato da Guercino e Guido Reni, e brillantemente da Bernini nell’Estasi di Santa Teresa, la cui fonte di schiva mescolanza di sesso e religione è tradita dall’angelo distintamente caravaggesco che trafigge il santo in modo così sensuale con una lancia. Caravaggismo anche raggiunto la Gran Bretagna, dove il suo seguace Orazio Gentileschi ha lavorato per Carlo I – in modo che un autoritratto di Orazio oggi più famosa figlia e collega Caravaggista, Artemisia, rimane nella Collezione Reale. Poi, nel xviii e xix secolo, questa stella fu dimenticata, disprezzata., I neoclassici concordarono con Poussin, che disse con orrore del realismo di base di Caravaggio: quest’uomo si proponeva di distruggere l’arte.

La Madonna del Rosario è stato il secondo Caravaggio che Rubens è stato responsabile di trasportare nel nord Europa; l’altro è La Morte della Vergine (clicca qui per vedere l’opera), che pende nella Grand Galerie del Louvre e ti ferma nelle tue tracce mentre passi davanti a tutti i Raffaello nel più grande corridoio dell’arte italiana fuori dall’Italia., Quando il suo creatore era ancora vivo nel 1600, Rubens, allora un giovane artista che imparava la sua professione in Italia, persuase il duca di Mantova a comprare La Morte della Vergine. Un paio di decenni dopo, Charles I comprò la collezione Mantovana e il dipinto di Caravaggio arrivò a Londra. Dopo che Carlo fu giustiziato nel 1649, fu venduto, come altre opere della collezione di Carlo; Luigi XIV lo acquistò, e oggi è a Parigi.

La ragione per cui entrambe queste pale d’altare della chiesa potrebbero essere ottenute da Rubens è che entrambe sono state respinte dagli organismi religiosi romani che le hanno commissionate., Caravaggio, come i suoi fan più pii non possono smettere di insistere, dipinse pale d’altare per alcuni degli spazi più sacri d’Italia, tra cui la Basilica di San Pietro. Ma aveva anche un tasso di fallimento molto alto, con un grande dipinto dopo l’altro respinto come indegno della casa di Cristo. L’opera che fece per San Pietro, la Madonna dei Palafrenieri (clicca qui per vedere l’opera), vi rimase appesa solo per pochi giorni prima che venisse rimossa. Oggi è nella Galleria Borghese. Caravaggio rende Maria una madre molto mortale, aiutando suo figlio a schiacciare un serpente sotto i piedi. Anche le dita dei piedi sono molto realistiche.,

La Madonna del Rosario a Vienna è un indizio del rapporto di Caravaggio con il cattolicesimo del suo tempo. Ignorato nella sua attuale popolarità, fu lasciato fuori dalle esposizioni di Napoli e Londra, anche se fu dipinto contemporaneamente alle Sette Opere di Misericordia nel 1606-7. Per gli standard di chiunque è imperfetto.,

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