appréciation de la musique (Français)

Étymologie

les Périodes de
la musique classique Occidentale

Début

Médiévale

c. 500-1400

Renaissance

c. 1400-1600

pratique Courante

Baroque

c. 1600-1760

Classique

c. 1730-1820

Romantique

c. 1815-1910

Moderne et contemporain

Moderne

c. 1890-1930

20e siècle

1901-2000

Contemporain

c., 1975–aujourd’hui

21e siècle

2001-aujourd’hui

Histoire de la musique artistique européenne

le terme « Baroque” est généralement utilisé par les historiens de la musique pour décrire un large éventail de styles d’une vaste région géographique, principalement en Europe, composé sur une période d’environ 150 ans.,

bien que L’on ait longtemps pensé que le mot en tant que terme critique a d’abord été appliqué à l’architecture, il apparaît en fait plus tôt en référence à la musique, dans une revue anonyme et satirique de la première en octobre 1733 D’Hippolyte et Aricie de Rameau, imprimée dans le Mercure de France en mai 1734. Le critique a laissé entendre que la nouveauté de cet opéra était « du barocque”, se plaignant que la musique manquait de mélodie cohérente, était remplie de dissonances incessantes, changeait constamment de clé et de mètre et traversait rapidement tous les dispositifs de composition.,

L’application systématique par les historiens du terme « baroque” de la musique de cette période est un développement relativement récent. En 1919, Curt Sachs est le premier à appliquer systématiquement les cinq caractéristiques de la théorie du Baroque de Heinrich Wölfflin à la musique., Cependant, les critiques ne tardent pas à remettre en cause la tentative de transposer les catégories de Wölfflin en musique, et dans le deuxième quart du XXe siècle, Manfred Bukofzer (en Allemagne et, après son immigration, en Amérique) et Suzanne Clercx-Lejeune (en Belgique) tentent d’utiliser une analyse technique autonome plutôt que des abstractions comparées, afin d’éviter l’adaptation à la musique des théories basées sur les arts plastiques et la littérature. Tous ces efforts ont abouti à un désaccord sensible sur les limites temporelles de la période, en particulier en ce qui concerne le moment où elle a commencé., En anglais, le terme n’a acquis de monnaie que dans les années 1940, dans les écrits de Bukofzer et Paul Henry Lang.

jusqu’en 1960, les milieux universitaires, en particulier en France et en Grande-Bretagne, se disputaient encore beaucoup pour savoir s’il était utile de regrouper une musique aussi diverse que celle de Jacopo Peri, Domenico Scarlatti et J. S. Bach sous une seule rubrique. Néanmoins, le terme est devenu largement utilisé et accepté pour cette large gamme de musique. Il peut être utile de distinguer le Baroque des périodes précédentes (Renaissance) et suivantes (classique) de l’histoire musicale.,

histoire

la période Baroque est divisée en trois grandes phases: début, milieu et fin. Bien qu’ils se chevauchent dans le temps, ils sont classiquement datés de 1580 à 1630, de 1630 à 1680 et de 1680 à 1730.,

musique baroque ancienne (1580-1630)

La Camerata Florentine était un groupe d’humanistes, de musiciens, de poètes et d’intellectuels de la fin de la Renaissance Florence qui se sont réunis sous le patronage du Comte Giovanni de’ Bardi arts, en particulier la musique et le théâtre. En référence à la musique, ils ont fondé leurs idéaux sur une perception du drame musical classique (en particulier du grec ancien) qui valorisait le discours et l’oraison., En tant que tels, ils rejetaient l’utilisation de la polyphonie et de la musique instrumentale par leurs contemporains et discutaient de dispositifs de musique grecque antique tels que la monodie, qui consistait en un chant solo accompagné d’une kithara. Les premières réalisations de ces idées, y compris Dafne et L’Euridice de Jacopo Peri, ont marqué le début de l’opéra, qui à son tour a été un peu un catalyseur pour la musique Baroque.

en ce qui concerne la théorie musicale, l’utilisation plus répandue de la basse figurée (également connue sous le nom de basse approfondie) représente l’importance croissante de l’harmonie en tant que fondement linéaire de la polyphonie., L’harmonie est le résultat final du contrepoint, et la basse figurée est une représentation visuelle de ces harmonies couramment utilisées dans la performance musicale. Les compositeurs ont commencé à se préoccuper des progressions harmoniques et ont également utilisé le triton, perçu comme un intervalle instable, pour créer une dissonance. L’investissement dans l’harmonie avait également existé chez certains compositeurs de la Renaissance, notamment Carlo Gesualdo; cependant, l’utilisation de l’harmonie dirigée vers la tonalité, plutôt que vers la modalité, marque le passage de la Renaissance à la période Baroque., Cela a conduit à l’idée que les accords, plutôt que les notes, pourraient fournir un sentiment de fermeture—l’une des idées fondamentales qui est devenue connue sous le nom de tonalité.

en incorporant ces nouveaux aspects de la composition, Claudio Monteverdi a favorisé la transition du style musical de la Renaissance à celui de la période Baroque. Il a développé deux styles de composition individuels – l’héritage de la polyphonie de la Renaissance (prima pratica) et la nouvelle technique de basse continue du Baroque (seconda pratica)., Avec L’écriture des opéras L’Orfeo et L’incoronazione di Poppea entre autres, Monteverdi a attiré une attention considérable sur le nouveau genre de l’Opéra.

musique baroque moyenne (1630-1680)

l’essor de la Cour centralisée est l’une des caractéristiques économiques et politiques de ce que l’on appelle souvent L’ère de L’absolutisme, personnifié par Louis XIV de France. Le style du palais et le système de Cour des mœurs et des arts qu’il a favorisés sont devenus le modèle pour le reste de l’Europe., Les réalités du mécénat croissant de l’Église et de l’État ont créé la demande pour la musique publique organisée, comme la disponibilité croissante des instruments a créé la demande pour la musique de chambre.

la période Baroque Moyenne en Italie est définie par l’émergence dans la cantate, l’oratorio et l’opéra au cours des années 1630 du style bel-canto., Ce style, l’une des contributions les plus importantes au développement du Baroque ainsi que du style classique ultérieur, a été généré par un nouveau concept de mélodie et d’harmonie qui a élevé le statut de la musique à l’égalité avec les mots, qui auparavant étaient considérés comme prééminents. La monodie fleurie et coloratura du début du Baroque a cédé la place à un style mélodique plus simple et plus poli, généralement dans un rythme ternaire. Ces mélodies ont été construites à partir de courtes idées cadentiellement délimitées souvent basées sur des motifs de danse stylisés tirés de la sarabande ou de la thecourante., Les harmonies, aussi, étaient plus simples que dans la première monodie Baroque, et les lignes de basse qui l’accompagnaient étaient plus intégrées à la mélodie, produisant une équivalence contrapuntique des parties qui a conduit plus tard au dispositif d’une anticipation de basse initiale de la mélodie de l’aria. Cette simplification harmonique a également conduit à un nouveau dispositif formel de différenciation du récitatif et de l’aria., Les plus importants innovateurs de ce style étaient les Romains Luigi Rossi et Giacomo Carissimi, qui étaient principalement des compositeurs de cantates et d’oratorios, respectivement, et le Vénitienfrancesco Cavalli, qui était principalement un compositeur d’Opéra. Antonio Cesti, Giovanni Legrenzi et Alessandro Stradella ont été plus tard d’importants praticiens de ce style.

Le Baroque moyen n’avait absolument aucune incidence sur le travail théorique de Johann Fux, qui a systématisé le strict contrepoint caractéristique des âges antérieurs dans son Gradus ad Paranassum (1725).,

Jean-Baptiste Lully est un exemple éminent de compositeur à la Cour. Il a acheté des brevets à la monarchie pour être le seul compositeur d’opéras pour le roi et pour empêcher d’autres d’avoir des opéras mis en scène. Il a terminé 15 tragédies lyriques et laissé inachevé Achille et Polyxène.,

musicalement, il n’établit pas la norme des orchestres à cordes dominées, héritée de l’opéra italien, et la disposition typiquement française à cinq parties(violons, altos-en tailles hautes-contre, tailles et quintes—et violons basses) avait été utilisée dans le ballet depuis L’époque de Louis XIII. il a cependant introduit cet ensemble au théâtre lyrique, avec les parties supérieures souvent doublées par des flûtes à bec, et des hautbois, et la basse par des Bassons. Des trompettes et des tambours étaient fréquemment ajoutés pour les scènes héroïques.,

Arcangelo Corelli est connu pour ses réalisations sur l’autre côté de la technique musicale—en tant que violoniste qui a organisé la technique et la pédagogie du violon—et dans la musique purement instrumentale, en particulier son plaidoyer et le développement du concerto grosso. Alors que Lully était installé à la Cour, Corelli a été l’un des premiers compositeurs à publier largement et à faire jouer sa musique dans toute l’Europe., Comme pour la stylisation et l’organisation de L’Opéra de Lully, Le concerto grosso est construit sur de forts contrastes—les sections alternent entre celles jouées par l’orchestre complet et celles jouées par un groupe plus restreint. La dynamique était « en terrasse », c’est-à-dire avec une transition nette du fort au doux et inversement. Les sections rapides et les sections lentes étaient juxtaposées les unes contre les autres. Parmi ses élèves se trouve Antonio Vivaldi, qui composa plus tard des centaines d’œuvres basées sur les principes des sonates en trio et des concerti de Corelli.,

contrairement à ces compositeurs, Dieterich Buxtehude n’était pas une créature de cour mais plutôt un musicien d’Église, occupant les postes d’organiste et de Werkmeister à la Marienkirche de Lübeck. Ses fonctions de Werkmeister impliquaient d’agir en tant que secrétaire, trésorier et directeur commercial de l’église, tandis que son poste d’organiste comprenait jouer pour tous les services principaux, parfois en collaboration avec d’autres instrumentistes ou chanteurs, qui étaient également payés par l’Église., Tout à fait en dehors de ses fonctions officielles dans l’Église, il a organisé et dirigé une série de concerts connue sous le nom de theAbendmusiken, qui comprenait des représentations d’œuvres dramatiques sacrées considérées par ses contemporains comme l’équivalent d’opéras.

musique baroque tardive (1680-1730)

grâce au travail de Johann fux, le style renaissance de la polyphonie a été fait la base de l’étude de la composition.,

travailleur continu, Haendel empruntait aux autres et recyclait souvent son propre matériel. Il était également connu pour avoir retravaillé des pièces telles que le célèbre Messie, créé en 1742, pour des chanteurs et musiciens disponibles., caisse claire

tambour ténor

tambourin

castagnettes

Styles et formes

la suite Baroque

la suite Baroque se compose souvent des mouvements suivants:

• ouverture – la suite Baroque a souvent commencé par une ouverture française (« Ouverture” en français), qui a été suivie par une succession de danses:
• allemande – souvent la première danse d’une Suite instrumentale, l’allemande était une danse très populaire qui avait ses origines à l’époque de la Renaissance allemande, quand elle était plus souvent appelée l’Almain., L’allemande était jouée à un tempo modéré et pouvait commencer sur n’importe quel battement de la mesure.
• Courante – la deuxième danse est la courante, une danse française animée en triple mètre. La version italienne s’appelle la corrente.
• Sarabande-la sarabande, une danse espagnole, est la troisième des quatre danses de base, et est l’une des plus lentes des danses baroques. Il est également en triple mètre et peut commencer sur n’importe quel battement de la mesure, bien qu’il y ait un accent sur le deuxième battement, créant le rythme caractéristique « halting », ou iambique de la sarabande.,
• Gigue-la gigue est une danse baroque optimiste et vivante en mètre composé, typiquement le mouvement de conclusion d’une suite instrumentale, et le quatrième de ses types de danse de base. La gigue peuvent commencer n’importe quel temps de la mesure et est facilement reconnaissable par sa rythmique. La gigue est originaire des îles britanniques. Son homologue dans la musique folklorique est lejig.,

Ces quatre types de danse (allemande, courant, sarabande et gigue) constituent la majorité des suites du XVIIe siècle; les suites ultérieures interpolent une ou plusieurs danses supplémentaires entre la sarabande et la gigue:

• Gavotte-La gavotte peut être identifiée par une variété de caractéristiques; elle est en temps 4/4 et commence toujours sur le troisième temps de la mesure, bien que cela puisse ressembler au premier temps dans certains cas, car les premier et troisième temps sont les temps forts en temps quadruple. La gavotte est jouée à un tempo modéré, bien que dans certains cas, elle puisse être jouée plus rapidement.,
• Bourrée-La bourrée est similaire à la gavotte car elle est en temps 2/2 bien qu’elle commence sur la seconde moitié du dernier battement de la mesure, créant une sensation différente à la danse. La bourrée est généralement jouée à un tempo modéré, bien que pour certains compositeurs, comme Haendel, elle peut être prise à un tempo beaucoup plus rapide.
• Menuet-le menuet est peut-être la plus connue des danses baroques en triple mètre. Il peut commencer sur n’importe quel battement de la barre. Dans certaines suites, il peut y avoir un Menuet I et II, joué successivement, avec le Menuet I répété.,
• Passepied-le passepied est une danse rapide sous forme binaire et triple mètre qui est née comme une danse de cour En Bretagne. Des exemples peuvent être trouvés dans les suites ultérieures telles que celles de Bach et Haendel.
• Rigaudon-le rigaudon est une danse française vivante en double mètre, semblable à la bourrée, mais rythmiquement plus simple. Il est à l’origine d’une famille de danses folkloriques du Sud de la France étroitement liées, traditionnellement associées aux provinces du Vavarais, du Languedoc, du Dauphiné et de la Provence.,

autres Caractéristiques

• Basse Continue – une sorte d’accompagnement continu notée avec un nouveau système de notation musicale, la basse figurée, généralement pour un instrument de basse soutenue et un instrument à clavier.,
• Le concerto et le concerto grosso
• monodie – une excroissance de la chanson
• homophonie – musique avec une voix mélodique et un accompagnement rythmiquement similaire (cette et la monodie sont contrastées avec la texture typique de la Renaissance,la polyphonie)
• formes musicales dramatiques comme l’Opéra, dramma per musica
• formes instrumentales et vocales combinées, telles que pizzicato
• l’aria da capo « jouissait de la sûreté”.
• l’air de ritournelle-de courtes interruptions instrumentales répétées de passages vocaux.,
• Le style concertato – contraste sonore entre les groupes d’instruments.,sso
• Fugue
• Suite
  • Allemande
  • Courante
  • Solo
  • Piano
  • Gavotte
  • Menuet
• Sonate
  • Sonata da camera
  • Sonata da chiesa
  • sonate en Trio
• Jeu
• Chine
• Symphonie
• Fantastique
• Chercher
• Touché
• Prélude
• Chaconne
• Passacaglia
• Chorale prélude
• Stylus fantasticus

lecture

• Musique Baroque (webradio)
• Pandora Radio: Période Baroque (pas disponible en dehors de l’U.,S.)
• Salle De Clavecin de Haendel – enregistrements gratuits de la musique pour clavecin de l’époque Baroque
• Renaissance & Chronologie De La Musique Baroque: compositeurs
• Fondation Orpheon à Vienne, Autriche
• partitions gratuites de divers compositeurs baroques au Projet International Music Score Library
• Music, Affect and Fire: Thesis on Affect Theory with Fire as the special topic
• répertoire international des sources musicales (RISM), une base de données gratuite et consultable de lieux dans le monde entier pour les manuscrits musicaux jusqu’à C. 1800