en el paseo desde la estación, vengo a través de la estrecha Via dei Tribunali medieval, aterrorizado por camiones y ciclomotores, más allá de puestos callejeros cargados con la mejor comida más barata y en Italia. Los edificios en el viejo corazón de Nápoles están ennegrecidos, cercanos, amenazantes. «Infamia», dice un cartel sobre una iglesia barroca. Desde octubre pasado, 40 personas han muerto en una guerra entre las bandas de Camorra de la ciudad.,
desde esta calle tumultuosa una puerta se abre a un patio del siglo 17 donde los médicos en batas blancas están bromeando. En una sala de espera, los niños se sientan pacientemente. Los médicos aquí ministran la misma caridad a los pobres de Nápoles que ha sido dispensada por esta institución católica, Pio Monte della Misericordia – Santa Montaña de la misericordia – desde el siglo 16. Encuentro una escalera y la sigo hacia arriba, convirtiéndose en un pasillo gris. No parece que Il Caravaggio esté por aquí.
Esta es una ciudad que ha vivido siempre en la oración., Un monumento fantástico, una especie de aguja en cascada con querubines y florituras curvilíneas, se levanta justo al otro lado de la calle, conmemorando la salvación de Nápoles de una erupción del Vesubio por la intervención milagrosa de San Gennaro en 1631. Supongo que si vives bajo el volcán más peligroso de Europa tienes que creer en los milagros. Las tiendas de Nápoles venden pequeños cuadros pintados que muestran a Cristo redimiendo a los pecadores de las llamas rojas del mismo infierno.
entrando en la Iglesia de al lado, finalmente llego a la ubicación del retablo que Caravaggio pintó para la Santa Montaña de la Misericordia en 1606-7., Y … el lienzo se ha ido. Una cortina de rosas cubre el enorme espacio en blanco. Las siete obras de Misericordia (haga clic aquí para ver la obra) resulta que se han llevado hasta la colina para protagonizar la exposición en el Museo de Capodimonte. Así que subo a este palacio en una colina que domina la bahía de plata de Nápoles con su expansión urbana escabrosa. «Carav-A-A-A-a-ggio», entusiasma a los napolitanos de clase media y a los excursionistas romanos que hacen cola bajo las columnatas gris Toba. En el interior, la pintura, de casi 4 metros de altura, está bien iluminada, y puede pararse cerca de un lienzo que normalmente cuelga detrás de un altar en la penumbra Sagrada., Es una obra asombrosa; una pintura para Nápoles si alguna vez hubo una, una visión de misericordia y caridad representada, no en una tierra santa imaginada, sino en las calles.
Caravaggio encantaba pintar las calles – la real, polvoriento y oscuro calles de Roma y Nápoles en el principio del 17mo siglo. Puertas sombrías con dinteles desgastados, ventanas cuadradas cubiertas por rejas de hierro, puertas que conducen a patios oscuros, habitaciones interiores con paredes desnudas y hombres encorvados en mesas ásperas. Las siete obras de misericordia es el más ambicioso de todos sus cuadros callejeros., Retrata palpablemente una esquina napolitana por la noche, con un hombre que lleva una antorcha que ilumina el camino estrecho detrás de él y la multitud de personas benevolentes que se oponen a la pobreza, la crueldad y el mal. Un anciano pone su cara a la rejilla de metal en la ventana en el primer plano derecho. Una mujer joven es can ¿puede estar haciendo eso? Es la gran doble toma de la pintura. Con un naturalismo perfecto, Caravaggio la hace dar su pecho al anciano para que lo amamante.,
la escena proviene de una antigua historia romana en la que la hija de un hombre encarcelado amamantó a su padre, un ejemplo de piedad filial. Pero Caravaggio no incluye evidencia de que el hombre y la mujer estén relacionados. Su generosidad parece más básica y desesperadamente humana.
lo mismo ocurre con el hombre a su lado que lleva un cadáver para ser enterrado. Puedes ver los pálidos pies del cadáver a la luz de una antorcha, asomándose bajo una Sábana Santa. En tiempos de peste en la vieja Europa, o después de las batallas, los cuerpos podrían estar sin enterrar., El narrador del Renacimiento temprano Boccaccio describió los horrores de la Peste Negra en Italia; la gente no visitaba o ayudaba a los enfermos, evitaban y traicionaban incluso a sus propias esposas o maridos. La comunidad fracasó; el colectivo se desintegró. En la danza folclórica de la muerte, el hombre rico, el hombre pobre y el rey están todos solos ante la muerte. En la pintura de Caravaggio no estamos solos, si tenemos compasión el uno por el otro; Misericordia.
El misterio es que no todas las personas en esta pintura parecen tipos misericordiosos., La mujer amamantando al prisionero, claro; el hombre con vestiduras de Sacerdote; incluso el trabajador que lleva el cuerpo. ¿Pero quiénes son los hombres bien vestidos y armados que se congregan como fuera de una posada? Llevan los sombreros emplumados y los guantes de cuero de los Caballeros; hay algo muy duro en ellos. Sin embargo, realizan actos de bondad, también. Más dramáticamente, uno saca su espada-no para matar al mendigo que se esparce desnudo a sus pies, sino para cortar su propia capa en dos y presentar la mitad a este hombre que llama hermano.,
de nuevo, es un antiguo emblema de la caridad, cortar tu propia capa por la mitad y compartirla con un mendigo. Era folclórico y universal en Europa, y todavía Actual en San Petersburgo en 1866, cuando un supuesto personaje progresista en Crimen y castigo de Dostoievski revela su crueldad denunciando la locura de cortar su propia capa. Es una imagen de la caridad-sin embargo, en la pintura lo que se ve es el destello de una hoja de espada en la noche, esbelto acero reluciente como la luna. Esta es una confesión personal, una pista del alma de un hombre.,
Las siete obras de Misericordia fueron pintadas como una penitencia, ya que Michelangelo Merisi da Caravaggio trató de ganarse su salvación en la calle.
La clave es la espada que brilla en la noche. Esta espada hace bien; corta un manto por la mitad para vestir a los pobres. Pero solo unos meses antes de comenzar esta pintura, Caravaggio puso una espada a un uso menos generoso.
el 26 de mayo de 1606, en Roma, un joven, Ranuccio Tomassoni, fue asesinado después de una larga pelea de espadas provocada, al parecer, por una pelea durante un partido de tenis., Él y su asesino eran el tipo de hombres que llevaban armas habitualmente, buscando problemas. Tomassoni encontró la suya esa noche a manos del mejor espadachín, el pintor Michelangelo Merisi da Caravaggio.
Los blades. Caravaggio poseía dos espadas en su casa en Roma. En sus pinturas, las espadas aparecen con frecuencia y orgullo. Su amor por las armas letales es más impactante en su pintura de Santa Catalina de Alejandría (Pincha aquí para ver la obra), que ahora se encuentra en la colección Thyssen de Madrid. Este es un santo extraño., Ella lleva un vestido negro caro y magnífico y se ve casualmente de lado fuera de la imagen. Su mano izquierda sostiene, suavemente y con placer sensual, el mango del largo y delgado estoque que será uno de los instrumentos de su martirio. Su dedo índice derecho toca su hoja brillante. El acero que corta el primer plano estigio está empapado en sangre húmeda de color rojo oscuro.
en la Iglesia de San Luis de los franceses en Roma, se ve una habitación en una ciudad – se supone que es una oficina de impuestos, pero Caravaggio lo hace más como la habitación trasera de una posada., Un montón de hombres están pasando el rato, contando dinero en una mesa, bajo una sola ventana sucia. Uno de ellos se sienta frente a nosotros, con un fantástico atuendo en blanco y negro, con una enorme manga de seda que capta la luz, y en su cadera izquierda, balanceándose en la sombra bajo su silla, es el accesorio indispensable: una espada larga y delgada. Esto fue pintado por un hombre que evidentemente a sí mismo le encantaba tener una espada colgada casualmente a su lado de esa manera.
En la primavera de 1606, en sus 35 años de trayectoria, Caravaggio demostró ser un espadachín y un asesino., He was wounded in the fight and went into hiding. Tomassoni era un don nadie de una familia de alguien. Caravaggio tuvo que huir de Roma, un forajido, con una sentencia de muerte en la cabeza. En otoño, ya estaba en Nápoles, pintando las siete obras de misericordia, que terminó a principios de enero de 1607.
La vida de Caravaggio después de convertirse en un asesino fue una aventura trágica. De Nápoles fue a Malta, de allí a Sicilia. Dondequiera que iba pintaba obras maestras. Estas son las pinturas que estamos apiñando en las habitaciones del Museo Capodimonte de Nápoles para ver., Caravaggio: L’ultimo Tempo 1606-10 es una exposición sombría y hermosa; se inaugura en Londres, en la National Gallery, Este mes como Caravaggio: The Final Years. Incluso despojado de algunos de sus grandes retablos – las siete obras de misericordia no se le permite salir de Italia-esta será la exposición más importante del año. Pero no es suficiente para mí.
En mi cabeza no hay otra exposición, que yo empecé a soñar hace un tiempo. ¿Y si vieras todas las pinturas de Caravaggio?, ¿Seguirían siendo tan monstruosamente vívidos como cuando te encuentras con uno solo en algún rincón de un museo o en las sombras de una iglesia? Me puse a visitar todos los museos polvorientos, todas las iglesias oscuras, y ver las 50 o más obras atribuidas por él, una figura que nunca puede ser del todo definitiva porque numerosos candidatos impugnados buscan la admisión al corpus, desde pastiches torpes hasta el David y Goliat bastante plausibles del Prado (haga clic aquí para ver la obra). Yo también vi muchos de estos., Las aventuras y vicisitudes y la supervivencia de sus pinturas son en sí asombrosas, desde las muchas imágenes que nunca han abandonado su ubicación original, hasta la traición de Cristo (haga clic aquí para ver la obra), pensamiento perdido hasta que fue notado en una casa Jesuita en Dublín en 1990 por un curador de la Galería Nacional de Irlanda. Recogiendo mentalmente el Caravaggio completo, me propuse descubrir el secreto de su arte.
apenas estoy sola en mi afición por este pintor. Poco después de su muerte en 1610, ya estaba siendo olfateado como un populista., Inventó su estilo naturalista, implicado un rival amargo, con el fin de hacerse notar. Todavía funciona. Caravaggio, nacido en 1571 y muerto antes de cumplir 40 años, un asesino y – al parecer por sus pinturas – abiertamente homosexual en una época en la que se podía ser quemado vivo por el diabólico crimen de la «sodomía», pintado con un realismo sin precedentes. Rechazó tanto la iluminación suave y completa y el equilibrio clásico de Rafael como el manierismo distorsionado de Miguel Ángel y sus seguidores; rechazó, es decir, las tradiciones dominantes de la pintura italiana en el Renacimiento tardío., En cambio, pintó escenas del mito pagano y la creencia cristiana como si estuvieran sucediendo aquí, ahora, en la calle o en su habitación sucia.
los actores en sus pinturas son reconocibles como personas reales-a menudo se puede seguir el mismo modelo de un lienzo a otro, posando ahora como Cupido, ahora como San Juan. Tampoco son personas acomodadas. Son la escoria de la ciudad – prostitutas, chicos de alquiler, mendigos., La existencia marginal de Caravaggio se refleja plenamente en su arte, su drama transmitido por su estilo óptico extremo, todo brillo y negrura, como una sola fuente – la luz que entra a través de una ventana, o se filtra en una calle estrecha – proyecta una sombra profunda y amenazante.
ese fue el Caravaggio que pensé que conocía, y que había conocido desde que vi por primera vez a Baco (haga clic aquí para ver la obra), en la galería de los Uffizi en Florencia. La pintura de Caravaggio del dios del vino es un retrato de un joven carnoso, con mejillas rugosas y cejas negras acentuadas., El vaso ancho y poco profundo que ofrece contiene vino oscuro, púrpura, atractivo. ¿Quieres beber? ¿Y a dónde nos llevará eso?Caravaggio es el más insidioso de los tentadores. La manera muy convincente en que puede pintar vino o fruta – fue, casi por casualidad, el mejor pintor de bodegones que jamás haya vivido – es un truco que utiliza para atraerte a su peligrosa y violenta realidad. Sin embargo, iba a descubrir otro, introspectivo y compasivo, Caravaggio.
Esta no es una biografía; dos de ellos fueron publicados en la década de 1990. Peter Robb M fue ampliamente criticado, y muy popular., Robb, un periodista australiano que ha escrito sobre la mafia siciliana y admite que ve analogías entre el mundo de » M » y la corrupción de la Italia moderna (por cierto, no hay nada del misterio que Robb implica sobre el nombre de Caravaggio, simplemente fue apodado por la ciudad en la que nació, Caravaggio, cerca de Milán). Robb sugiere que » M » fue asesinado por una cábala de sus enemigos porque misteriosamente ofendió a los Caballeros de Malta. No hay evidencia de esto, pero al menos capta algo de la emoción del arte de Caravaggio.,
El enfoque respetable, que refleja las tendencias actuales en la investigación académica, que ganó excelentes críticas para la biografía de Helen Langdon de 1998, Caravaggio, no es más convincente. En los últimos años ha habido una reacción, después de un siglo de redescubrimiento, no tanto contra Caravaggio como contra la percepción popular de su arte. Los eruditos ahora parecen estar más o menos de acuerdo en la afirmación perversa y contraintuitiva de que primero, no hay evidencia de que Caravaggio fuera homosexual, y segundo, él es principalmente un artista católico espiritual., En la biografía de Langdon ambas opiniones conservadoras se unen en lo que se lee, a veces, como un tratado autorizado por el Opus Dei.
no reconozco a este Caravaggio, El Monaguillo heterosexual sexual y confesional. De hecho, es un absurdo, el producto de la investigación histórico-artística que se obsesiona con los patrones y se olvida de mirar las imágenes en sí.
eso es todo lo que me propuse hacer: mirar las fotos en sí. Si esto termina siendo un retrato del hombre, e incluso una nueva teoría sobre su muerte, es porque su arte es, en última instancia, la confesión de un asesino.,
los hechos, tal como se conocen, son bastante simples. Educado y tal vez comenzando su carrera de pintura con obras perdidas en Milán, Caravaggio fue a Roma a principios de los 20 años y vivió en la pobreza y la oscuridad hasta que las pinturas que vendió a través de un comerciante en la Piazza San Luigi dei Francesi llamaron la atención de un cardenal del Monte, quien invitó al pintor a vivir en su casa en el cercano Palazzo Madama. En los años siguientes, en la década de 1590 y principios de 1600, Caravaggio tomó por asalto el mundo del arte de la Roma del Renacimiento tardío., Se destacó en una época mediocre, como el único artista que fue capaz de reavivar la llama del genio italiano que a principios del siglo XVI había alcanzado tales picos en la obra de Leonardo y Miguel Ángel.
en Roma, Caravaggio recibió el encargo de pintar retablos prestigiosos, aunque a veces los resultados fueron rechazados, y obras privadas para los palacios de los amantes del arte ricos. Pero incluso mientras impresionaba a los poderosos, se asoció con los desdichados de la ciudad. Vivió mal, brutalmente., Un inventario de su casa en el apogeo de su fama muestra tal escasez de posesiones que debe haber gastado sus ganancias sustanciales en placeres menos permanentes. Sobre todo, le gustaba pelear. Aparece en los registros judiciales como un personaje desagradable, matón, amenazando y atacando a la gente en Piazza Navona, golpeando a un camarero porque no le gustaba la forma en que se cocinaban sus alcachofas. Parece que el asesinato de Tomassoni fue la conclusión inevitable de un estilo de vida destructivo., Y luego, después de eso, vinieron los años de huida, los hogares temporales, los viajes al Mediterráneo, la fuga y el encarcelamiento y la muerte estúpida, innecesaria y – algunos dicen-misteriosa.
solo hay una transcripción realmente confiable de las palabras de Caravaggio y proviene de un archivo de la corte romana. En 1603, fue demandado por difamación por Giovanni Baglione, un pintor rival. Caravaggio había dicho que las pinturas de este hombre no eran buenas – y repitió su crítica enteramente justa en la corte. En su declaración, dijo: «fui capturado el otro día en Piazza Navona, no sé por qué. Soy pintor., Creo que conozco a casi todos los pintores de Roma … pero no todos son buenos hombres. Por un buen hombre me refiero a alguien que puede desempeñarse bien en su arte, y por un buen pintor a un hombre que puede pintar bien e imitar bien la naturaleza.»
imitar bien la naturaleza: eso es lo que se propuso hacer, es lo que logró, fue lo que lo hizo popular y todavía lo hace. Lo que empecé a ver, en mi viaje, fue exactamente cuánta honestidad y verdad está contenida en esa aparente simplicidad.
comenzó con las uñas sucias de Cupido.
solía haber cuatro pinturas de Caravaggio en Berlín; hoy hay dos., Los otros, su retrato de Fillide y agonía en el jardín, ambos anteriormente en el Museo Kaiser Friedrich, se quemaron en cenizas en el Götterdämmerung Nazi en 1945.
El dudoso Tomás (haga clic aquí para ver la obra), que cuelga en el país de las maravillas rococó del Palacio Sanssouci de Federico el Grande, me eludió; la galería se cierra en invierno, e incluso empujando contra las ventanas, no podía ver nada a través de las pesadas persianas. Mi verdadero objeto, de todos modos, era mucho menos Sagrado.,
en el siglo XVII, a un turista inglés en Roma, Richard Symonds, se le dijo que Cupido de Caravaggio (haga clic aquí para ver la obra) era en realidad un retrato de su asistente o sirviente Cecco del Caravaggio, «que se acostó con él». Si hay algo de verdad en esta anécdota, grabada 40 años después de la muerte de Caravaggio, la cara que me sonríe en la casi desierta Gemäldegalerie de Berlín es la de su amante.
realmente es una sonrisa sucia., Sus mejillas rojas y sus ojos entrecerrados, su cabeza inclinada hacia un lado, Cupido arruga su boca de una manera que es casi cruel – es duro; no está impresionado por ti, el espectador. Está de pie desnudo, su pierna izquierda doblada y descansando sobre una sábana arrugada que habla de la cama; lleva enormes alas negras, alas de águila (Júpiter tomó la forma de un águila para llevarse al niño Ganímedes), y muestra, entre los muslos brillantes, su pene. En su mano están las flechas, y a sus pies los emblemas del arte, el saber, y virtù: Instrumentos, Música, divisores, armadura.,
si hay una demostración perfecta de la forma en que Caravaggio utiliza la luz y la sombra, es esta imagen. La luz en Caravaggio siempre viene con, y crea, su opuesto, la oscuridad, así como Dios crea a Satanás. Hay un soplo de Satanás aquí. La luz que ilumina a Cupido aumenta la oscuridad que lo rodea; la blancura de su carne intensifica la negrura – y la mortandad – de sus alas. Caravaggio siempre pintó alas de este color, incluso las alas de Los Ángeles., Mientras sigues mirando esta pintura, mientras los guardias sienten curiosidad por ti y un grupo de jóvenes prusianos se ríen, te das cuenta de que su torso es demasiado blanco. En comparación con la vivacidad amarilla y naranja de su cara traviesa, es el blanco de la tumba. Sin sangre y frío, su cuerpo está muerto mientras su cara está muy viva.,
Este torso frío es el color y la textura del mármol, y es una parodia de una famosa escultura de Miguel Ángel de un joven que conduce a un hombre mayor, tallada para la tumba inacabada del Papa Julio II y conocida como Victoria después de que se instaló en el Palazzo Vecchio de Florencia como símbolo del triunfo militar de los Medici. El Cupido de Caravaggio tiene su pierna izquierda levantada y doblada al igual que la juventud de mármol de Miguel Ángel. Su cuerpo es, por lo tanto, una imagen de arte, como los emblemas esparcidos a su alrededor – y como ellos está muerto., El arte estéril solo se enciende en la vida, bromea Caravaggio, por lo que sea que enrojezca y anime la cara de su Cupido: esa maldad, ese deseo. Y todo es aplastado por él, olvidado en su frenesí. La música y la escultura, la armadura varonil, todo se deja de lado. Caravaggio Cupido stands groseramente victorioso sobre lo que Lincoln llamó a los mejores ángeles de nuestra naturaleza.,
esta parece la interpretación obvia de su imagen más impactante, pero los estudiosos argumentan que tal visión es romántica y que, de hecho, Cupido es un homenaje al hombre que la encargó, un rico patricio romano llamado Vincenzo Giustiniani; los objetos, por lo tanto, no son símbolos de vanitas, sino emblemas de los muchos y loables intereses de Giustiniani., Si este fuera el caso, Cupido sería una pintura muy torpe porque su iconografía es la de la melancolía, de la muerte y la destrucción, y específicamente de la famosa melancolía I del renacimiento de Alberto Durero, que se hace eco de la forma desordenada en que se dispersan los instrumentos, herramientas y papeles, a los divisores, a las alas de la figura central. A principios del siglo XVI, Parmigianino retrató a Cupido aplastando libros bajo los pies, colocándolo en el papel destructivo que Durero le dio a la melancolía, como el enemigo de la ambición, la razón y el autogobierno. Caravaggio repite la imagen de Parmigianino., La diferencia es que en Caravaggio la amenaza es real.
Qué real, solo vi cuando mi ojo se desvió hacia el pie derecho de Cupido. Sus uñas están sucias. En la parte inferior de su esculpida pierna Michelangelesca hay un pie que termina en dedos rechonchos, enrojecidos por la presión de la pose, con uñas gastadas, rotas y marrones. Esos clavos de repente establecen lo que realmente está sucediendo en la pintura. Caravaggio está pintando a este chico, que mantiene la pose incluso cuando su cara se arruga de risa ante lo absurdo de todo., Sus dedos de los pies son rojos con la tensión de pretender ser un Miguel Ángel, sus uñas sucias traicionan de dónde viene: la calle.
empieza a mirar – como yo lo hice – y verás pies gruñones por todas partes en las pinturas de Caravaggio, las suelas de mala calidad de personas que pasan sus días y noches Descalzas, corriendo o cojeando por las calles polvorientas de la ciudad, vendiendo fruta o sus cuerpos, mendigando limosnas., Los ven en su Virgen del Rosario (haga clic aquí para ver la obra) en Viena, en la que los pies sucios y maltratados de los pobres nos miran mientras sus humildes poseedores se arrodillan y levantan sus manos suplicantemente hacia las cuentas negras del Rosario ofrecidas por la Iglesia.
el Kunsthistorisches Museum, construido en Viena en los últimos años del imperio de los Habsburgo, tiene frescos sobre su escalera por, entre otros, Gustav Klimt, y un techo que representa la apoteosis del Renacimiento., En la galería donde cuelga la Virgen de Caravaggio, tres bustos de mármol sobre las puertas palaciegas retratan a gigantes del arte europeo. Un visitante pregunta al asistente a quién representa la tercera escultura: reconoce a Miguel Ángel y Leonardo, dice, Pero ¿quién es el otro? La Guardia dice que piensa que es Caravaggio-una especulación razonable ya que él es, para nosotros, el par de los dos genios florentinos. Pero no puede ser él – es Velázquez – porque, cuando se construyó este museo en el siglo XIX, Caravaggio era un don nadie, sus pinturas no se habían visto afectadas por las colecciones en las que habían terminado., Cuando los amantes del arte vienés Sigmund Freud y el joven Ernst Gombrich visitaron este museo, vinieron a ver Correggio y Tintoretto, y sobre todo la Virgen De La Pradera de Rafael. Caravaggio no estaba en el itinerario.
en su vida y durante 50 años después, las cosas habían sido mejores para él. La Virgen del Rosario emigró de Roma a Viena a través de Amberes, gobernada por los Habsburgo, para cuya iglesia dominicana fue comprada a principios del siglo XVII por un grupo de artistas flamencos dirigidos por Pieter Paul Rubens como ejemplo del estilo de este hombre que consideraban un pintor., Caravaggio influyó decisivamente en el curso del arte europeo: Rubens llevó su mensaje a todas las cortes donde trabajó; los pintores de Utrecht Gerrit van Honthorst y Hendrick ter Brugghen vieron su trabajo en Italia y se llevaron el estilo a casa a los Países Bajos, donde inspiró a Vermeer y Rembrandt; sus escenas de baja vida fueron imitadas por el joven Velázquez en España, e incluso el clasicista francés Poussin aprendió algo sobre las sombras de él., En Italia, fue pastizado por Guercino y Guido Reni, y más brillantemente por Bernini en el éxtasis de Santa Teresa, la fuente de cuya dudosa mezcla de sexo y religión es traicionada por el ángel claramente Caravaggesco que perfora al santo tan sensualmente con una lanza. El caravaggismo llegó incluso a Gran Bretaña, donde su seguidor Orazio Gentileschi trabajó para Carlos I, de modo que un autorretrato de la hija de Orazio y compañera Caravaggista, Artemisia, permanece en la Colección Real. Luego, en los siglos XVIII y XIX, esta estrella fue olvidada, despreciada., Los neoclásicos estuvieron de acuerdo con Poussin, quien dijo horrorizado por el realismo de base de Caravaggio: este hombre se propuso destruir el arte.
La Virgen del Rosario fue el segundo Caravaggio que Rubens se encargó de transportar al norte de Europa; el otro es la muerte de la Virgen (haga clic aquí para ver la obra), que cuelga en la gran galería del Louvre y lo detiene en su camino mientras camina por todos los Raphaels en el mayor corredor del arte italiano fuera de Italia., Cuando su creador aún estaba vivo en la década de 1600, Rubens, entonces un joven artista que aprendía su profesión en Italia, persuadió al duque de Mantua para comprar la muerte de la Virgen. Un par de décadas más tarde, Carlos I compró la colección de Mantuan, y la pintura de Caravaggio llegó a Londres. Después de que Carlos fuera ejecutado en 1649, fue vendido, como otras obras de la colección de Carlos; Luis XIV lo compró, y hoy está en París.
La razón por la que ambos retablos de la Iglesia pudieron ser obtenidos por Rubens es que ambos fueron rechazados por los cuerpos religiosos romanos que los encargaron., Caravaggio, como sus seguidores más piadosos no pueden dejar de insistir, pintó retablos para algunos de los espacios más sagrados de Italia, incluida la Basílica de San Pedro. Pero también tuvo una tasa de fracaso muy alta, con una gran pintura tras otra rechazada como indigna de la casa de Cristo. El trabajo que hizo para San Pedro, La Madonna dei Palafrenieri (haga clic aquí para ver la obra), solo se colgó allí durante unos días antes de que fuera eliminado. Hoy está en la Galería Borghese. Caravaggio hace de María una madre muy mortal, ayudando a su hijo a aplastar una serpiente bajo los pies. Sus dedos de los pies, también, son muy realistas.,
La Virgen del Rosario en Viena es una pista de la relación de Caravaggio con el catolicismo de su tiempo. Ignorado en su popularidad actual, quedó fuera de la exposición en Nápoles y Londres, a pesar de que fue pintado al mismo tiempo que las siete obras de Misericordia en 1606-7. Para cualquiera es defectuoso.,
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