barokowy Teatr w Czeskim Krumlovie
muzyka barokowa to Styl Zachodniej muzyki artystycznej tworzonej od około 1600 do 1750 roku. Epoka ta nastÄ ™ puje po renesansie, a nastÄ ™ puje z kolei epoka klasyczna., Słowo „barok” pochodzi od portugalskiego słowa barroco oznaczającego misshapen pearl, negatywnego opisu ozdobnej i mocno zdobionej muzyki tego okresu. Później nazwa ta zaczęła odnosić się również do architektury z tego samego okresu.
muzyka barokowa stanowi główną część kanonu „muzyki klasycznej”, jest szeroko badana, wykonywana i słuchana., Kompozytorami epoki baroku są: Johann Sebastian Bach, George Frideric Handel, Alessandro Scarlatti, Domenico Scarlatti, Antonio Vivaldi, Henry Purcell, Georg Philipp Telemann, Jean-Baptiste Lully, Arcangelo Corelli, Tomaso Albinoni,François Couperin, Denis Gaultier, Claudio Monteverdi, Heinrich Schütz, Jean-Philippe Rameau, Jan Dismas Zelenka i Johann Pachelbel.
w okresie baroku powstawała tonalność., W tym okresie kompozytorzy i wykonawcy używali bardziej rozbudowanej ornamentyki muzycznej, dokonywali zmian w notacji muzycznej i opracowywali nowe techniki gry na instrumentach. Muzyka barokowa rozszerzyła rozmiar, zakres i złożoność wykonawstwa Instrumentalnego, a także ustanowiła operę, kantatę, oratorium, koncert i Sonatę jako gatunki muzyczne. Wiele terminów i pojęć muzycznych z tej epoki jest nadal w użyciu.,
etymologia
Western classical music
Early
c. 500-1400
c. 1400-1600
C. 1600-1760
C. 1730-1820
c. 1815-1910
c. 1890-1930
1901-2000
c., 1975-present
2001–present
Historia europejskiej muzyki artystycznej
termin „Barok” jest powszechnie używany przez historyków muzyki na określenie szerokiej gamy stylów z szerokiego regionu geograficznego, głównie w Europie, skomponowanych w okresie około 150 lat.,
chociaż długo uważano, że słowo jako termin krytyczny zostało po raz pierwszy zastosowane do architektury, w rzeczywistości pojawia się wcześniej w odniesieniu do muzyki, w anonimowej, satyrycznej recenzji prapremiery w październiku 1733 roku Hippolyte et Aricie Rameau, wydrukowanej w Mercure de France w maju 1734 roku. Krytyk sugerował, że nowością w tej operze jest „du barocque”, narzekając, że w muzyce brakuje spójnej melodii, jest wypełniona nieustannymi dysonansami, stale zmieniana tonacja i metrum, i szybko biegła przez każde urządzenie kompozytorskie.,
systematyczne stosowanie przez historyków terminu „barok” do muzyki tego okresu jest stosunkowo niedawnym rozwojem. W 1919 roku Curt Sachs jako pierwszy zastosował w muzyce pięć cech teorii baroku Heinricha Wölfflina., Krytycy szybko kwestionowali jednak próbę przeniesienia kategorii Wölfflina na muzykę, a w drugiej ćwierci XX wieku podejmowali niezależne próby Manfreda Bukofzera (w Niemczech, a po jego emigracji w Ameryce) i Suzanne Clercx-Lejeune (w Belgii), by zamiast abstrakcji porównawczych, nie stosować do muzyki teorii opartych na sztukach plastycznych i literaturze. Wszystkie te wysiłki zaowocowały wyraźną niezgodą na temat granic czasowych tego okresu, zwłaszcza jeśli chodzi o to, kiedy się rozpoczął., W języku angielskim termin ten pojawił się dopiero w latach 40. w pismach Bukofzera i Paula Henry ' ego Langa.
jeszcze w 1960 roku w środowiskach akademickich, szczególnie we Francji i Wielkiej Brytanii, nadal trwały spory, czy sensowne jest łączenie muzyki tak różnorodnej, jak Jacopo Peri, Domenico Scarlatti i J. S. Bach w ramach jednego rubryka. Niemniej jednak termin ten stał się powszechnie używany i akceptowany dla tej szerokiej gamy muzyki. Może być pomocne rozróżnienie baroku zarówno od poprzedzających (Renesans), jak i następnych (klasycznych) okresów historii muzyki.,
Historia
okres baroku dzieli się na trzy główne fazy: wczesną, Środkową i późną. Chociaż pokrywają się one w czasie, są umownie datowane od 1580 do 1630, od 1630 do 1680 i od 1680 do 1730.,
muzyka wczesnego baroku (1580-1630)
Camerata Florencka była grupą humanistów, muzyków, poetów i intelektualistów późnego renesansu Florencji, którzy zebrali się pod patronatem hrabiego Giovanniego de' Bardiego, aby omówić i przewodnik trendów w sztuce, zwłaszcza muzyki i dramatu. W odniesieniu do muzyki oparli swoje ideały na postrzeganiu klasycznego (zwłaszcza starożytnego greckiego) dramatu muzycznego, który cenił dyskurs i orację., Jako tacy odrzucili użycie przez współczesnych polifonii i muzyki instrumentalnej i dyskutowali o takich starożytnych greckich instrumentach muzycznych, Jak monody, która składała się ze śpiewu solowego z akompaniamentem kithary. Wczesne realizacje tych idei, w tym Dafne Jacopo Periego i L ' Euridice, wyznaczyły początek opery, która z kolei była swego rodzaju katalizatorem dla muzyki barokowej.
jeśli chodzi o teorię muzyki, bardziej rozpowszechnione użycie figured bass (znany również jako dokładny bas) reprezentuje rozwijające się znaczenie harmonii jako liniowych podstaw polifonii., Harmonia jest efektem końcowym kontrapunktu, a figured bass jest wizualną reprezentacją tych harmonii, które są powszechnie stosowane w wykonawstwie muzycznym. Kompozytorzy zaczęli zajmować się progresjami harmonicznymi, a także wykorzystywali Tryton, postrzegany jako niestabilny interwał, do tworzenia dysonansu. Inwestowanie w harmonię istniało również wśród niektórych kompozytorów renesansu, zwłaszcza Carlo Gesualdo; jednak użycie harmonii ukierunkowanej na tonalność, a nie modalność, oznacza przejście od renesansu do baroku., Doprowadziło to do idei, że akordy, a nie nuty, mogą zapewnić poczucie zamknięcia—Jedna z podstawowych idei, która stała się znana jako tonalność.
wprowadzając te nowe aspekty kompozycji, Claudio Monteverdi kontynuował przejście od renesansowego stylu muzycznego do barokowego okresu. Wypracował dwa indywidualne style kompozycji-dziedzictwo polifonii renesansowej (prima pratica) oraz nową technikę basso continuo baroku (seconda pratica)., Dzięki pisaniu oper L 'Orfeo i L' Incoronazione di Poppea, Monteverdi zwrócił znaczną uwagę na nowy gatunek opery.
muzyka średniowiecznego baroku (1630-1680)
powstanie scentralizowanego dworu jest jedną z Ekonomicznych i politycznych cech epoki absolutyzmu, uosobionej przez Ludwika XIV. Styl Pałacowy i dworski system manier i sztuki, które propagował, stały się wzorem dla reszty Europy., Realia rosnącego mecenatu kościelnego i Państwowego powodowały zapotrzebowanie na zorganizowaną muzykę publiczną, a rosnąca dostępność instrumentów powodowała zapotrzebowanie na muzykę kameralną.
Jean-Baptiste Lully
okres środkowego baroku we Włoszech jest definiowany przez pojawienie się w kantacie, oratorium i operze w 1630 roku stylu bel-canto., Styl ten, jeden z ważniejszych wkładów w rozwój baroku, a także późniejszej Klasycyzacji, powstał dzięki nowej koncepcji melodii i harmonii, która podniosła status muzyki do równouprawnienia ze słowami, które wcześniej uważano za wybitne. Kwiecista, koloraturowa Monodia wczesnego baroku ustąpiła miejsca prostszemu, bardziej dopracowanemu stylowi melodycznemu, zwykle w rytmie trójdzielnym. Melodie te budowane były z krótkich, kadencyjnie odgraniczonych pomysłów, często opartych na stylizowanych wzorach tanecznych zaczerpniętych z sarabande lub thecourante., Również Harmonie były prostsze niż we wczesnobarokowej monody, a towarzyszące im linie basowe były bardziej zintegrowane z melodią, tworząc kontrapunkcyjną równoważność części, która później doprowadziła do urządzenia początkowego, basowego przewidywania melodii Arii. To uproszczenie harmoniczne doprowadziło także do nowego formalnego urządzenia różnicowania recytatywu i Arii., Najważniejszymi innowatorami tego stylu byli Rzymianie Luigi Rossi i Giacomo Carissimi, którzy byli przede wszystkim kompozytorami odpowiednio kantat i Oratoriów, oraz Wenecjaninfrancesco Cavalli, który był głównie kompozytorem operowym. Do późniejszych ważnych praktyków tego stylu należą Antonio Cesti, Giovanni Legrenzi i Alessandro Stradella.
średniowieczny Barok nie miał absolutnie żadnego wpływu na teoretyczną pracę Johanna Fuxa, który usystematyzował ścisły kontrapunkt charakterystyczny dla wcześniejszych epok w swoim Gradus ad Paranassum (1725).,
jednym z najwybitniejszych przykładów kompozytora stylu dworskiego jest Jean-Baptiste Lully. Zakupił patenty od monarchii, aby być jedynym kompozytorem oper dla króla i uniemożliwić innym wystawianie oper. Ukończył 15 tragedii lirycznych i pozostawił niedokończone Achille et Polyxène.,
muzycznie nie ustalił zdominowanej przez struny normy dla orkiestr, która została odziedziczona po włoskiej operze, a charakterystycznie Francuskie pięcioczęściowe dyspozycje(skrzypce, altówki-w rozmiarach hautes-contre, tailles i quintes—oraz skrzypce basowe) były używane w balecie od czasów Ludwika XIII. wprowadził jednak ten zespół do teatru lirycznego, z wyższymi partiami często podwajanymi przez rejestratory, flety i oboje, a bas przez fagosów. Do scen heroicznych często dodawano trąbki i czajniki.,
Arcangelo Corelli jest pamiętany jako wpływowy dla jego osiągnięć po drugiej stronie techniki muzycznej—jako skrzypek, który organizował technikę skrzypiec i pedagogikę—oraz w muzyce czysto instrumentalnej, w szczególności za wspieranie i rozwój concerto grosso. Podczas gdy Lully był ensconced na dworze, Corelli był jednym z pierwszych kompozytorów, aby publikować szeroko i jego muzyka wykonywana w całej Europie., Podobnie jak w przypadku stylizacji i organizacji opery Lully ' ego, concerto grosso zbudowane jest na silnych kontrastach—sekcje przeplatają się między tymi granymi przez pełną orkiestrę, a tymi granymi przez mniejszą grupę. Dynamika była „szeregowa”, czyli z ostrym przejściem z głośnego na miękki i z powrotem. Sekcje Szybkie i wolne zostały zestawione ze sobą. Wśród jego uczniów jest Antonio Vivaldi, który skomponował później setki utworów opartych na zasadach zawartych w sonatach i koncertach Tria Corellego.,
w przeciwieństwie do tych kompozytorów, Dieterich Buxtehude nie był stworzeniem dworskim, ale muzykiem kościelnym, piastując stanowiska organisty i Werkmeistera w Marienkirche w Lubece. Jego obowiązki jako Werkmeistera polegały na pełnieniu funkcji sekretarza, skarbnika i kierownika kościoła, podczas gdy jego stanowisko organisty obejmowało granie na wszystkich głównych nabożeństwach, czasami we współpracy z innymi instrumentalistami lub wokalistami, którzy również byli opłacani przez Kościół., Całkowicie poza oficjalnymi obowiązkami kościelnymi zorganizował i wyreżyserował cykl koncertów znany jako theAbendmusiken, który obejmował przedstawienia świętych utworów dramatycznych uważanych przez współczesnych za odpowiedniki oper.
muzyka późnego baroku (1680-1730)
dzięki twórczości Johanna fuxa, renesansowy styl polifonii stał się podstawą do studiowania kompozycji.,
stały pracownik, Handel pożyczał od innych i często poddawał recyklingowi własny materiał. Był również znany z przeróbek takich utworów jak słynny Mesjasz, który miał premierę w 1742 roku, dla śpiewaków i muzyków., werbel
style i formy
Suita Barokowa
Suita Barokowa często składa się z następujących części:
- Uwertura – Suita Barokowa często zaczynała się od uwertury francuskiej (po francusku”Ouverture”), po której następowały kolejne tańce różnych typów, głównie następujące cztery:
- allemande – często pierwszy taniec suity instrumentalnej, Allemande był bardzo popularnym tańcem, który miał swoje początki w epoce niemieckiego renesansu, kiedy to był częściej nazywany almain., Allemande był grany w umiarkowanym tempie i mógł zaczynać się od dowolnego taktu.
- Courante – drugi taniec to courante, żywy, Francuski taniec w Trójmieście. Włoska wersja nosi nazwę corrente.
- Sarabande-sarabande, taniec hiszpański, jest trzecim z czterech podstawowych tańców i jest jednym z najwolniejszych tańców barokowych. Jest również w metrum potrójnym i może zaczynać się na dowolnym takcie taktu, choć nacisk kładzie się na drugi takt, tworząc charakterystyczny „zatrzymanie”, czyli jambiczny rytm sarabande.,
- Gigue-gigue jest radosnym i żywym tańcem barokowym w metrum złożonym, zazwyczaj kończącym ruch suity instrumentalnej i czwartym z jej podstawowych rodzajów tańca. Gigue może rozpocząć się na dowolnym rytmie taktu i jest łatwo rozpoznawalny po jego rytmicznym odczuciu. Gigue pochodzi z Wysp Brytyjskich. Jego odpowiednikiem w muzyce ludowej jest thejig.,
te cztery rodzaje tańca (allemande, courant, sarabande i gigue) składają się na większość XVII-wiecznych Suit; późniejsze suity interpolują jeden lub więcej dodatkowych tańców między sarabande i gigue:
- Gawot – gawot można rozpoznać po różnych cechach; jest w czasie 4/4 i zawsze zaczyna się od trzeciego taktu taktu, chociaż w niektórych przypadkach może to brzmieć jak pierwszy takt, ponieważ pierwsze i trzecie takty są silnymi rytmami.bije w poczwórnym czasie. Gawot grany jest w umiarkowanym tempie, choć w niektórych przypadkach może być grany szybciej.,
- Bourrée-bourrée jest podobne do gavotte, ponieważ jest w czasie 2/2, chociaż zaczyna się w drugiej połowie ostatniego taktu taktu, tworząc inny styl tańca. Bourrée jest powszechnie grane w umiarkowanym tempie, chociaż dla niektórych kompozytorów, takich jak Handel, może być podejmowane w znacznie szybszym tempie.
- Menuet – Menuet jest chyba najbardziej znanym z barokowych tańców w Trójmieście. Może rozpocząć się w dowolnym rytmie paska. W niektórych suitach może występować Menuet I I II, grany kolejno, z menuetem i powtórzonym.,
- Passepied – passepied to szybki taniec w formie binarnej i potrójnej, który powstał jako taniec dworski w Bretanii. Przykłady można znaleźć w późniejszych suitach, takich jak Bach i Handel.
- Rigaudon – rigaudon to żywy taniec francuski w metrum duple, podobny do bourrée, ale prostszy rytmicznie. Wywodzi się z rodziny blisko spokrewnionych tańców ludowych Południowo-francuskich, tradycyjnie związanych z prowincjami Vavarais, Langwedocja, Delfin i Prowansja.,
inne cechy
- Basso continuo – rodzaj akompaniamentu ciągłego notowanego w Nowym Systemie notacji muzycznej, najczęściej dla instrumentu basowego podtrzymującego i instrumentu klawiszowego.,
- koncert i concerto grosso
- Monody – wyrastanie pieśni
- Homofonia – muzyka z jednym głosem melodycznym i rytmicznie podobnym akompaniamentem (ta i monody kontrastują z typową renesansową fakturą,polifonią)
- dramatyczne formy muzyczne, takie jak opera, dramma per musica
- połączone formy instrumentalno-wokalne, takie jak Oratorium i kantata
- nowe techniki instrumentalne, takie jak tremolo i Pizzicato
- aria da capo „enjoyed sureness”.
- Aria ritornello – powtarzane krótkie instrumentalne przerywniki fragmentów wokalnych.,
- styl concertato-kontrast w brzmieniu między grupami instrumentów.,sso
- Fugue
- Suite
- Аллеманда
- Courant
- Sarabande
- Gigue
- Гавот
- Minuette
- Sonata
- Sonata da camera
- Sonata od kościoła
- Trio-sonata
- Mecz
- Piosenka
- Symfonia
- Wyobraźnia
- Szukaj
- Element
- Prelude
- Chai
- Passacaglia
- Chorale prelude
- Stylus fantasticus
Further reading
- Barock Music (webradio)
- Pandora Radio: Baroque Period (not available outside the U.,S.)
- Sala Klawesynowa Haendla – darmowe nagrania muzyki klawesynowej epoki baroku
- Renesans & muzyka barokowa Chronologia: Kompozytorzy
- Fundacja Orpheon w Wiedniu, Austria
- darmowe partytury różnych kompozytorów barokowych w International Music Score Library Project
- Muzyka, Afekt i ogień: teza na temat afektu z ogniem jako tematem specjalnym
- répertoire International des Sources musicales (Rism), Darmowa, przeszukiwalna baza miejsc na całym świecie dla rękopisów muzycznych do ok. 1800
li>